Живопись и архитектура. Критические статьи.


Творенье может пережить творца:
Творец уйдет, природой побежденный,
Однако образ, им запечатленный,
Веками будет согревать сердца. (Микеланджело)


«Золотой век» российской культуры в портретах - выставка в Лондоне.

…В конце апреля, были на выставке русского портрета в Национальной портретной галерее, в Лондоне. Билеты туда подарила нам дочь, на мой день рождения…
Впечатление от просмотра остаётся сильное!
Правильно говорят, что «большое видится на расстоянии». Так и с родной культурой, к которой так привык, что не замечаешь её особенностей…
Рассматривая работы, в двух небольших комнатах, я вспоминал не только русских живописцев, но и знаменитых на весь мир писателей, композиторов, актёров и музыкантов.
И невольно появились мысли, понимание того, что девятнадцатое столетие в России, включая «серебряный век», принесли миру русские сокровища культуры, на «золотом блюдечке» самобытности и глубины неопознанных европейцами смыслов.
Именно сплав поэзии, прозы, музыки и живописи составляют сердцевину этого культурного русского феномена.
На выставке, мы увидели портреты кисти Репина, Серова, Ге и многих других художников-реалистов, показывающих внутренний мир писателей, поэтов, драматургов, музыкантов и актеров. Они, всколыхнули в душе чувство гордости за русский гений, после долгих столетий молчания и пребывания «внутри себя» – вспомните реплики Петра Чаадаева, - вдруг проявивший себя с необычной всесторонней мощью и глубиной! Русский культурный Ренессанс девятнадцатого века, был похож на Илью Муромца, который просидел тридцать три года на печи, а потом вдруг стал былинным богатырём. Нечто подобное произошло и с русским искусством, вызревавшим в толще народной культуры, и вдруг проявившемся, начиная с появления русского гения – Пушкина!
И этот культурный прорыв, прошёл не без влияния европейской культуры, послужившей примером, но потом превзойдённой прилежными учениками из России!

…Обобщая впечатления от выставки подумалось, что именно реализм в различных искусствах, является ядром процесса развития форм и содержания любого творчества, будь то живопись, музыка или литература.
Именно из этого содержательного центра, идёт, расширяясь концентрическими кругами, процесс развитие возможностей новых форм и содержания, на периферию, в сторону уточнения и раскрытия разнообразия приемов и методов свойственных искусствам, как таковым…
На этой выставке живописи, прежде всего, обращает на себя внимание творчество Репина, которого по масштабу дарования и развитию своего таланта через труд, можно сравнить с Толстым.
Жаль, что англичане так мало знают этого гения, показавшего в своих картинах не только современную ему Россию, но оживившего своей кистью многовековую историю российского народа, так отличающегося от знакомых европейских национальных характеров.
И очень жаль, что чиновники от культуры, и служащие Россотрудничества, плохо используют эту мягкую, но влиятельную силу российской культуры, для знакомства мира с достижениями русского народного гения!
Вспомните его потрясающую по драматургии картину «Царь Иван Грозный и его сын Иван». Или многофигурное полотно «Крестный ход». Или полную сожаления и грусти картину «Не ждали». Были ещё лихие и вместе добродушные казаки в картине «Письмо турецкому султану»…
Как жаль, что отечественные культуртрегеры так непродуктивно используют «мягкую силу» русского искусства - уверен, что англичане были бы в восторге от выставок в Лондоне Репина, Сурикова, Крамского, Серова…
Ведь в их работах так много пронзительной правды о русском народе и вместе, показана сила мастерства в изображении любви и сопереживания своим соотечественникам!
Хотя и в России, уже в тёмные восьмидесятые годы двадцатого столетия, накануне «либеральной» контрреволюции, усилиями полуграмотных и идеологизированных критиков, имя и слава Репина-реалиста, а так же живописцев- передвижников, была забросана грязью непрофессионального, поверхностного анализа «либеральных» критиков, ориентированных на «западные» ценности, на бессмысленный подражательный модернизм…
…На этой лондонской выставке, портреты великих русских писателей помещены рядом и мы можем увидеть в них не только характеры, но и догадываться о свойствах их литературных произведений. Достоевский - Перова: сухонький, с тонкими, нервными руками и напряжённым взглядом болезненного человека, невольно ассоциируется с его пронзительным творчеством, наполненном поисками цели и смысла жизни в сумасшедшей суете характеров и чувств большого города.
И рядом Толстой Николая Ге – олицетворение положительного здоровья и интеллектуальной мощи русского человека. Толстой изображен в Хамовниках, за знаменитым письменным столом, обдумывающим очередную идею добра и справедливости, стараясь воплотить её в соответствующие формы. В этом портрете, предстаёт обобщённая личность русского человека, как некий символ проснувшегося творческого духа нации!
И тут же Тургенев – Репина: грузный, седой, усталый, недовольный и разочарованный тяготами жизни и разрушением мечтаний о личном покое и счастье. Этот портрет, тогда не понравился ни критикам ни самому писателю хотя мастерство художника, позволяет увидеть в этом образе силу и величие таланта, сокрушённого жизненными обстоятельствами!

…Ну а дальше, портреты русских композиторов, которые потрясли музыкальный мир Европы своими творениями и силой творческого гения всего русского народа!
Трагедию Мусоргского, написанного тем же Репиным, умирающего от алкоголизма в больничке, здесь, на выставке можно сравнить с изысканной чистотой и затаенной душевной горечью Чайковского, а аристократичный Римский-Корсаков - Серова показанный в процессе творческого создания очередного шедевра, противостоит показному эпикурейству и самодовольству миллионера Мамонтова, любителя и мецената русского искусства, изображённого Врубелем ярко и подчёркнуто современно для того времени …
А рядом портрет Стасова на его даче, написанный Репиным. Критик изображён в красной рубахе подпоясанной кушаком, в штанах заправленных в сапоги и буйной шевелюрой на голове. Чем тебе не образ весёлого русского купца на отдыхе?!
И глядя на эти знакомые с детства лица, сознаешь, что нигде так, как в картинах русских художников, не проявилась столь ярко гениальность и своеобычность русского народа.
Русские композиторы – «националисты», привнесли в мировую музыку образность чувств и картинность драмы человеческих переживаний. Начиная с «Картинок с выставки» Мусоргского, продолжаясь в удивительной мелодичности «Шехерезады» Римского-Корсакова и драматизме «Шестой симфонии» Чайковского; нарастая в творчестве Стравинского, Прокофьева и Шостаковича - весь музыкальный мир Европы пережил своеобразный музыкальный Ренессанс, вдохновлённый творчеством этих личностей, составляющих плоть от плоти русского, национального характера и певучести его языка, отражающего драматизм исторической судьбы великого народа!

…Островский и Чехов, в этом раду портретов русских интеллигентов, представляют театральную стихию, а как продолжение линии рассказа о русском театре, идут портреты русских актёров и оперных певцов.
Однако, небольшой и как бы смазанный портрет грандиозно талантливого Шаляпина кисти Константина Коровина, меня откровенно разочаровал. Вспомнился другой портрет певца, где барственный, огромный Шаляпин в меховой шубе – являет собой пример жизненного успеха и самодовольства провинциала. Наверное таким и был этот многогранный талант из народной среды, оглушённый внезапным успехом и обожанием публики. Но этого портрета на выставке не было, а жаль…
И рядом, портрет великой актрисы Ермоловой – Серова. Портрет гордой, величественной и страдающей женщины в чёрном платье, с высоко поднятой головой и взглядом устремлённым вперед, в неведомое завтра.
И тут же портрет молодой женщины с грустными глазами, тоже русской актрисы сидящей в мягком кресле.
И рядом, молодой актёр внушительной наружности – Ленский, прославившийся ролями романтических героев.
И завершение этой серии - портрет высокой молодой актрисы Варвары Хилденбрандт – тоже Репина, в вуали затемняющей верхнюю часть лица и передающей трагические тени под глазами. Художник, на этой картине подчёркивает яркими красными красками кофты и контрастно-чёрной юбки, стройность фигуры девушки …
Завершают экспозицию портреты драматической пары поэтов Серебряного века - Гумилёва и Ахматовой. Романтик Гумилёв изображён художницей Ольгой Кардовской на редкость невыразительно и кажется шаржировано. Его фигура, на портрете в полный рост, кажется неудачным наброском, тогда как Ахматова, написанная этой же художницей, поражает дерзкой красотой азиатского горбоносого лица и отточенностью линий грациозного тела.
Остаётся добавить, что Гумилёв, вскоре был расстрелян за участие в контрреволюционном заговоре, а Ахматова прожила длинную, наполненную творчеством, переживаниями и драмой поздно пришедшей славы…
А рядом, портрет ещё одного известного богача – заводчика и мецената Ивана Морозова кисти Серова, сидящего на фоне ярко-цветной картины Матисса, чьим поклонником и собирателем он был!
…В хорошо изданном каталоге выставки, показаны не только выставленные портреты, но есть описание их создания и коротко рассказана история русских живописцев…
В магазине галереи много книг русских писателей на английском, а в начале экспозиции, можно прочитать план мероприятий на 2016 год, в котором значатся и лекции, и конференции посвященные творчеству русских живописцев, поэтов, писателей и актёров.
В разговорами с англичанками - посетительницами выставки, мы узнали, что вскоре будет встреча-лекция с бывшим архиепископом англиканской церкви Великобритании Роёном Вильямсом, который будет рассказывать о творчестве Фёдора Достоевского. Этот замечательный эпископ написал книгу о нем и хорошо зная русский язык, давно занимается творчеством великого русского гения…
Остаётся пригласить и англичан, и русских живущих в Англии, на эту выставку и на все мероприятия проводимые в этом году…

На прощанье, хочется пожелать английскому слушателю и зрителю любви и понимания, направленных в сторону российского искусства, обогатившего и омолодившего своим творчеством, давнюю историю развития культуры в Европе!


Апрель 2016 года. Лондон. Владимир Кабаков

Искусство идеологии, или «всё на продажу».

О русской выставке в Лондоне.

Эпиграф: «Сегодня, художник - это социальный статус, а не профессия»

Я был в "Сатчи-галлери" первый раз. Мы с женой приехали туда на автобусе, любуясь по дороге в окно на витрины больших модных магазинов, оформленных к Новому Году. Особенно понравился дизайн в большом магазине на Найтсбридж - витрины, сияющие блестящими красками и искусной подсветкой, выглядели как шкатулки с драгоценностями. Да наверное так и задумывались декораторами.

Выйдя из автобуса, попали под моросящий дождь, и торопясь, зашагали в сторону галереи. Перед входом толпились люди и проверяли пригласительные. Войдя внутрь, мы были оглушены шумным говором толпы стоявшей в зале, слева от входа. Казалось, весь артистический Лондон был здесь. Я немного растерялся, не ожидая такого многолюдья на выставке российских художников и начал спрашивать, где эта экспозиция размещена. На меня смотрели не понимая. Только чуть позже я понял, что вся большая галерея, - это и есть российская выставка!
Но обо всём по-порядку.
Протискиваясь к большим фото с татуированными мужчинами на них, я по пути взял с подноса бокал с шампанским — было официальное открытие выставки - и отхлёбывая небольшими глотками, во все глаза смотрел на «искусство» российской уголовной татуировки, которое демонстрировали на постановочных фото немного смущённые зэки-модели.

Татуировки интересные, с голыми девушками, ангелами и надписями вроде «не забуду мать родную». На одной фотографии было крупно показано лицо с закрытыми глазами, а на веках виднелась надпись, «не спи»!

Эти фото вполне соответствовали сегодняшней европейской моде — часто на пляже, на руках, спинах и груди мужчин, можно увидеть наколки – символы, целые тексты или отдельные слова. Но и у девушек, на их очаровательных телах «порхают» разного рода фривольные картинки в виде бабочек, орнаментов и даже кокетливых мышек, которые «нарисованы» на филейных частях тела и при ходьбе забавно прячутся в потайные промежутки.
Таков сегодня культовый тренд модерна - «назад, к прачеловеку»! Но вырождение и утрата профессионализма присуща не только моде на тату, но и в других искусствах, что особенно бросается в глаза в живописи — полная деградация профессии и попытка через идеологию, привлечь внимание и продать, главное продать такое «творчество».
Что касается тела, то в России, уголовники давно освоили этот язык символов и нынешние русские фотохудожники и матера тату, с энтузиазмом эксплуатируют эту тему...

Однако, большинство зрителей в галерее на фото не смотрели, а просто стояли с бокалами в руках и разговаривали. Через время я начал различать и русскую речь и потому, стал спрашивать мнение некоторых знакомых и незнакомых посетителей о выставке.

Для русскоязычной диаспоры эта выставка была большим событием культурной жизни. Но и для англичан, не избалованных таким откровенным показом ничтожества и бытовых обстоятельств жизни дна российского общества, экспозиция тоже было «зеркалом», в которое страшно, но хочется заглянуть, чтобы увидеть своё будущее.
В определённом смысле это всё выглядело как пощёчина буржуазному общественному вкусу, хотя совсем не это наверное задумывалось организаторами. Такое «самораздевание» и откровенное издевательство над образом страны, в которой вы родились и живёте, обусловлено сегодняшней идеологией «продажности» - ангажированности, то есть желания идти в сторону того, что требует мода.
А идеологическая мода сегодня, требует шельмование России во всех смыслах и прежде всего, в идеологическом. Этим наверное, обусловлено самое коренное направление в российской идеологической эстетике — «чернуха». Чернуха присутствует во всех жанрах российского искусства, начиная от кино, театра и заканчивая литературой и даже музыкой. Вспомните пьесы и фильмы Сигарева или военные кинополотна Михалкова, или даже постановку Бориса Годунова в Мариинском театре. Всюду испитые лица, серые зэковские бушлаты, грязь, матерщина, цинизм и скотский разврат.

И это всё вываливают на западного зрителя, в надежде что это «искусство» оценят, прежде всего, с идеологической стороны, а потом уже купят и будут выставлять у себя, показывая, до чего людей довели большевики и соцреализм.

Есть среди российской образованщины такой миф, что на Западе любят видеть Россию грязной, заплёванной и дурно пахнущей, как следствие крушения социалистической идеи. Это своеобразное, спонтанное лакейство, очень распространено в кругу либеральных российских образованцев и прозападного чиновничества, старающихся делать личные деньги на всём, что может продаваться.
Но на Западе, простым людям, на самом деле это не нужно. Нужна, эта грязь здешним идеологическим работникам пера и пропаганды, которые указывая пальцем на эти русские страшилки-инсталляции говорят: «Вот видите до чего довела Россию приверженность большевизму и теориям Маркса, Ленина, Сталина...»

Конечно, такой идеологией интересуются и в России, небольшое количество «либералов»-бюрократов. А «творцы такого искусства» просто и банально продают этому зарубежному и внутреннему меньшинству, как им кажется «ходовую» тему...

Уже во втором зале обширной галереи, рассматривая жуткие картинки социального, пьяно-развратного «дна» российского общества, Я начал замечать моменты «постановочного искусства», когда фотограф даёт бомжам небольшие деньги и просит их показывать «писи и попы», а те, в пьяном угаре, про себя называя его придурком и мудаком, исполняют эти примитивные фантазии вовсе не подозревая, что этот «работник идеологического фронта», очень прилично заработает на смаковании «российских реалий» заграницей...

Вспомнился столетний юбилей Дягилевской антрепризы. Я был в Париже в те дни и сходил на выставку, посвященную юбилею триумфа русского искусства. Тогда, сто лет назад, Запад был поражён самобытностью и красочностью русского народного искусства, на почве которого артисты балета, художники и музыканты создали замечательные шедевры, потрясавшие весть мир и заставившие уважать не только российский балет, но и всю культуру России в целом.

Сегодня, времена изменились и русской народной культуры не существует, а на её месте появилась суррогатная западная культура, в российском преломлении. И этот процесс зашёл уже так далеко, что этот суррогат, недруги нашей страны используют как идеологическое оружие, совращая и развращая подачками «с западного барского стола» и художников, и писателей, и музыкантов! Эти подачки, они «добросовестно» отрабатывают и выдают на гора "чернуху", никому не нужную кроме политиканов ни здесь на Западе, ни тем более в самой России...

В одном из следующих залов была любопытная инсталляция под названием «Принципы сдачи». Инсталляция, как нельзя кстати раскрывала смысл и суть этой экспозиции «советского искусства», насмешливо названной «Весёлость советского искусства в шестидесятые — восмидесятые» (перевод мой).

Но и это оказалось ложью - на этой выставке присутствовало только антисоветское «искусство», потому что эта «мрачная весёлость» была сделана в основном и датирована девяностыми годами, когда СССР уже не было на карте мира. А вся выставка, отражала развал и распад всех человеческих связей и принципов гуманного искусства, в послеперестроечной России...

Конечно, кое что зафиксированное фотокамерами этих «художников», присутствует в российской жизни, но это бытует на грязных задворках, а точнее было уделом нашей страны в лихие девяностые годы, как следствие разрушительности «перестройки», затеянной партийными номенклатурщиками во главе с Горбачёвым, совсем не ожидавшим, что на месте неуютного «застоя» и шедевров соцреализма, вдруг вырастет эта безутешная и страшная, своей животной сущностью, драма миллионов человеческих судеб.

Не ожидали эти "прорабы перестройки" и того, что в искусстве вырастет монстр «чернухи», подмявший под себя всё подлинно человеческое в российской культуре.

Конечно, есть примеры такого рода «реализма» и в Англии, и в самом Лондоне. Сотни и тысячи бездомных бродят днём по городу, а на ночь, забившись в обогреваемые щели или спрятавшись в картонные коробки, в полусне проклиная и себя и такую жизнь, ждут рассвета и наступления нового безрадостного дня.
Я видел в центре Лондона такого бродягу, который летом сидел на тротуаре босиком и на ногах у него были чудовищные, отвратительно пахнущие пузыри, похожие на гниющие отходы, найденные на помойке мясокомбината!

Видел я и умирающего бомжа лежащего на какой-то бетонной плите, и задыхающегося от душащего его внутреннего жара. Он был простужен и буквально сгорал от температуры в больном теле. А мимо спешили по работе или на обед десятки и сотни благообразных обывателей-чиновников, боявшихся даже взглянуть в его сторону...

Эта сторона жизни знакома и англичанам, хотя она не становится предметом искусства, тем более на продажу. Англичане пока себя уважают, может быть потому, что они не переживали тех драматических событий, которые обрушились на голову многострадальной России в двадцатом веке.

В течение двух мировых войн, в которых Россия была союзником Англии, наша страна потеряла более тридцати миллионов самых сильных и самых умных молодых людей. И этот демографический шок продолжает действовать на генофонд России, а может быть и привёл к болезненному самоуничижению и самоуничтожению, которым Россия отметилась во времена перестройки и от которого продолжает мучиться и сегодня.
И эта «красочная» экспозиция в Сатчи-галлери, ещё одно тому доказательство!

Мне кажется, на этой выставке были представлены художники, не обладающие минимальным уровнем профессионализма, но являющихся ловкими идеологическими конъюнктурщиками, как впрочем и организаторы и устроители этого зрелища.

Я спросил у своего знакомого русского, талантливого хореографа и балетмейстера, что он думает обо всём увиденном здесь. И он подтвердил моё мнение, что все это создано с расчётом на скандал и, как следствие, на выгодную продажу этих «произведений искусства» о которых забудут завтра же, если идеологическая конъюнктура поменяет своё направление.

Спросил я и свою жену-англичанку, что она думает обо всем этом и она сказала, что не хотела бы видеть у себя в квартире такого рода бездарные новации. А простой россиянин, мой знакомый, взрослый человек, который далёк от искусства и случайно попал на выставку, делая круглые глаза шептал: - Это ужас! Ужас! - и возмущённо разводил руками.

Зато англичанин, благообразный и хорошо одетый экономист, которого я пытался расспрашивать, говорил, что это последствия соцреализма искусства советского периода.
Он это так понял, но так, организаторы и участники этого «действа» пытались выставить-показать Россию...

Я читал рецензию на эту выставку в «Ивнинг Стандарт», кстати, принадлежащей русскому олигарху. Эта статья называлась «Сатирический взгляд на советскую власть». То есть, не только я воспринял эту выставку как пасквиль.
Однако рецензент не понял, что эта «чернуха» показывает и издевается уже не над СССР, а над современной Россией. Видимо этого не понимают ни организаторы, ни спонсоры выставки, в число которых почему-то вошёл «Росатом». И это ещё одна деталь абсурда культурной политики нынешней власти...
В рецензии также говорится о репрессивной советской власти, о подражании западным аналогам, о свирепой цензуре породившей эти героические идеологические «возражения». Как я и ожидал, автор рецензии очень скептически отнёсся к нынешнему российскому «авангарду», но отметил хорошо подобранную экспозицию собственно советских художников-модернистов, вполне справедливо протестовавших против засилья «соцарта».
И он по своему был прав, потому что когда мы начинаем врать себе и окружающим, либо приукрашивая либо очерняя действительность, то мы в итоге получаем «сумбур вместо музыки» и скатываемся в болото самовосхваления или самооплёвывания.

Эта выставка, на мой взгляд, является примером подобной «идеологической чернухи» и патологического самоуничижения российского образованческого общества...

Как и отмечал английский рецензент, были здесь и советские художники-диссиденты — Рабин, с его «селёдками», бутылками водки и газетами «Правда» и «Сельская жизнь». Был и Илья Кабаков с его инсталляциями. Были Комар и Меламед с их сарказмом и издевательством над советским буржуа и обывателем.

Но это было уже другое явление, в котором просматривался не только идеологический талант, но и профессионализм. Хотя, уже в их творчестве, чувствовалась политическая составляющая и желание понравится «Западу». Именно они начали работать на потребу западному зрителю, издеваясь над советской действительностью, а продолжателями этой линии стали нынешние «художники», изображающие, на фоне после-перестроечной разрухи голые задницы, пьяных женщины с полуспущенными трусами, и бессмысленные бледные инсталляции, которые может делать любой столяр или маляр, по несколько штук в день.
Если на «чернушных» фотографиях, видны ещё хоть какие-то мыслительные усилия и работа воображения, пусть и похабного, то от просмотра подобных инсталляций в голове остаётся какое—то бледное пустое место, «ничто», которое нельзя назвать ни искусством, ни даже просто работой художника - это анемичная мазня и дилетантские повторения уже давно пройденного и забытого эксперимента с доверчивым сознанием провинциального зрителя.

На фоне такого «искусства», работы декораторов, делающих оформление праздничных витрин в магазинах Лондона, воспринимаются как шедевры мастерства и изобретательного художественного профессионализма...

… Уходя из "Сатчи-галлери", я думал, что при всём негативе увиденного, можно сделать и позитивные выводы. Важно осознать, что в современном мире идёт война культур и подобное псевдоискусство, может появиться в любой национальной культуре. Потеря самобытности и независимости культуры происходящей в России, характерна для стран переставших бороться с хаосом в душах и обществе, согласившихся на поражение национальной культуры...

И ещё я сделал оптимистический вывод, что если эту выставку увидят российские власть имущие, то они ужаснутся и поймут, что надо делать всё зависящее от людей во власти и в российском обществе, чтобы такое самораздевание и самоуничижение громадной страны, с трагической и часто самоотверженной историей, никогда впредь не повторилось!


Конец ноября 2012 года. Лондон. Владимир Кабаков.

Выставка живописи в Александра – палас…

…Наш хороший знакомый, Ричард Пепел, чех живущий в Англии более тридцати лет, пригласил нас на выставку в Лондоне, где он будет показывать и постарается что-нибудь продать из своих работ. Участвуют в выставке не только художники из Англии, но и заграничные и потому, я надеялся встретить там русских или русскоговорящих, как теперь выражаются.
… Дело было осенью. Несколько дней до этого лили дожди и когда мы приехали к парку и поставили машину в одном из прилегающих переулков, то выйдя на парковый газон, мы, несколько раз попали в грязь и потому, петляя, избегая мокрых мест, поднимаясь вверх по склону холма, с трудом выбрались на асфальтированную дорожку.
На вершине был расположен большой, великолепный дворец.
Выйдя на террасу перед дворцом, я обернулся и ахнул – внизу, под нами, расстилался Лондон – вдалеке виднелись небоскрёбы нового Сити, а ближе, на противоположной стороне долины, стояли двух – трёх этажные домики, один примыкая к другому, ярусами поднимаясь по склонам невысоких холмов. Хорошо видны были очень издалека, неширокие улицы, совсем игрушечные автомобили припаркованные у домиков, изогнутые, изломанные неаккуратной застройкой, улицы…
Я вспомнил и моя жена подтвердила, что мы были здесь лет пять назад на фейерверках, которые здесь, с холма, от стен дворца, смотрят каждый год, в один и тот же день, многие тысячи лондонцев…
Тогда была уже ночь, и, в темноте, взрывавшиеся и распадавшиеся на «созвездия и галактики» фейерверковые заряды, казались мне театрализованным представлением иллюстрирующим образование звёздной Вселенной. Люди стояли тогда на склоне холма, плечом к плечу и вскрикивали от восторга, когда разноцветные огни с треском рассыпались в тёмном небе.
Вспоминая всё это, мы, спросив у кого – то из прохожих, где вход на выставку, обогнули большое здание справа и заметив вход, вошли внутрь.
Интерьеры дворца были просторны и стильно оформлены, а в большом мраморном вестибюле был небольшой зимний сад. Посередине стояла крупная зелёная пальма, с жёсткими, блестяще зелёными продолговатыми листьями, собранными в пучок, и ствол, похожий на слоновью ногу, щетинился мохнатой, пупырчатой корой…
Пройдя, чуть вперёд, дальше по коридору, мы вошли в громадный зал, поделённый перегородками на небольшие, квадратные пространства, внутри которых на трёх стенках висели картины, картинки и рисунки.
Неподалёку, со скучающим разочарованным видом, стояли или ходили создатели этой «продукции». Художников здесь собралось более сотни и все они отличались друг от друга художественными стилями, манерой живописи, характером техники…
По номеру, написанному на приглашении Ричарда, мы отыскали его «комнатку, и вскоре увидели его, бородатого, черноволосого, с большим горбатым носом на греческом лице и смеющимися, весёлыми глазами. Он почему – то напомнил мне древнегреческого философа, и когда я ему об этом сказал, то он долго и заразительно смеялся. Мы виделись последний раз лет пять назад и потому оба наверное сильно переменились.
Тогда, «много лет назад», (в чужой стране, каждый прожитый год воспринимается как вечность) мы с женой, были у Ричарда, в гостях, в Йорке, куда он переселился из Лондона, лет двадцать назад.
Он принадлежал к тому поколению хиппи, которые в семидесятые годы по всей Европе искали место где они могли быть свободными и творческими личностями. Первое время в Лондоне, после переселения в Англию, Ричард работал в церкви Сент Альбан сторожем, и пытался «красить» картинки и писать романы…
В конце концов он преуспел и в первом и во втором. Конечно он не мог жить на деньги от продажи своих картин и романов, которые начал издавать в Праге - тиражи были мизерные, как обычно у начинающих. Поэтому, он устроился почтальоном, чтобы обеспечивать жизнь себе и своей семье…
Потом, они всем семейством переехали из Лондона в Йорк, где намного легче купить дом да и жить было значительно дешевле. Там, он тоже привычно работал почтальоном, в основном по утрам, а остальное время посвящал творчеству…

… Поздоровавшись мы некоторое время обменивались семейными новостями, а потом Ричард стал рассказывать о выставке…
Выставка организована в помощь художникам Англии, живущим, как в Лондоне, так и в провинции. На этой выставке зрители могли не только осмотреть экспозицию, но и купить понравившиеся им картины и скульптуры…
«Однако – рассказывал Ричард посмеиваясь - зрителей было совсем немного, особенно в пятницу, в первый день выставки и потому, скучающие художники ходили сами по выставке и оценивали работы собратьев по ремеслу…
- Я тут познакомился – весело рассказывал Ричард, - с русскими художниками из Москвы, и с двумя - из Грузии. Один из них скульптор, а другой живописец. Он, совсем недалеко расположился – и Ричард показал на «комнатку» в конце прохода.
Я пошёл туда и познакомился.
Это был московский художник Гомозов, который впервые оказался в Англии и потому, был рад «земляку» и возможности поговорить по-русски с посетителем выставки. Картины Гомозова мне понравились лёгкостью красок и рисунка и некоторой игрушечно – театральной манерой передавать романтические сюжеты.
Коломбины и Пьеро, на его полотнах летали по небу и порхали в садах, а жизнь была благоустроенна и воздушна. Пока я рассматривал его работы, Гомозов достал красочный проспект и подарил мне. Он тоже грустно пожаловался, что зрителей нет, а раз их нет, то и картины никто не покупает и даже не приценивается…
После, мы с женой подошли к стенду грузинских художников.
Один из них живёт в Германии и имеет пресс – агента, которая вместе с ним приехала в Лондон. На эту выставку, художник привез множество проспектов и рекламных листовок.
Краски на полотнах этого темпераментного и общительного грузина, вполне испанские горячие и резкие по колориту, а по композиции напоминают Гойю или даже Пикассо?
В разговоре с нами, художник сердился на организаторов, а пресс – агент -крупная женщина в ярком платье сетовала, что никто даже к стенду не подходит, чтобы поговорить и пообщаться…
Второй мастер грузин – скульптор, довольно известный в Европе, хотя и сравнительно молодой, работающий в новаторской технике кости совместно с гипсом и мрамором.
Он учился в Тбилиси, а потом в Москве. Его работы стоят на площадях и в скверах в Брюсселе и других европейских городах.
Замечательная скульптура, игрок в конное поло, в одну четвёртую величины, стояла на стенде и я с удовольствием любовался динамизмом и совершенством форм лошади и всадника, объединенных в порыве движения к цели.
Я подумал, что эту работу мог бы оценить по достоинству и приобрести наследник английского престола, принц Чарльз например - страстный любитель и профессионал игры в конное поло, как впрочем и его сыновья принц Вильям и принц Харри…
Оба художника пожаловались мне, что помещение хорошее, но зрителей почти нет и видимо организаторы не совсем продумали систему рекламы выставки – продажи.
Я, как мог успокаивал их и говорил, что уже сам приезд на Британские острова – это начало знакомства с большим рынком искусства, потому что Англия и Лондон постепенно становятся финансовой столицей мира, и потому, возможности продажи произведений искусства здесь, с каждым годом увеличиваются. И в свою очередь, пообещал написать статью об этой выставке с намерением опубликовать её и снимки картин в сетевом журнале, главным редактором которого являюсь…
И на прощанье предложил обменяться визитками…
Мы ещё немного поговорили о неприятных политических осложнениях в отношениях между Грузией и Россией, вспоминали времена Советского Союза, когда можно было не задумываясь ехать в любой конец страны, и всюду встретить радушный приём и хлебосольное гостеприимство. Особенно этим славились жители Кавказа…
Простившись с грузинами, мы с женой пригласили Ричарда попить чаю и посидели в импровизированном кафе некоторое время, слушая рассказы его о своих написанных и изданных в Чехии рассказах и романах…
Постепенно, он становился известным писателем, у себя в Чехии. Хотя по – прежнему тиражи небольшие, и зарабатывать на книгах достойные деньги, не было никакой возможности. Героями его романов были животные, воплощавшие в себе человеческие черты и характеры. Это вполне отвечало весёлому и ироничному характеру нашего друга…
Простившись с Ричардом, проходя между рядами стендов, заметили портреты балерин и подойдя заговорили с английским художником, автором этих картин, объяснивший нам, что рисовал балерин и танцоров из Большого театра, во время их гастролей в Лондоне. Мы взяли у него визитку, с намерением в будущем, посетить его мастерскую и купит недорогую картину с сюжетом из жизни балета – наша дочь занимается балетом и не пропускает ни одной значительной премьеры в Роял – Опера или в Колизеуме.

… У самого выхода, мы увидели на стенде новую русскую фамилию и подойдя познакомились. Это был известный московский художник с женой, которая сопровождала его на этой выставке. Они пожаловались нам на плохую рекламу выставки, на отсутствие покупателей и даже просто зрителей. Потом, случайно коснулись темы религиозности, и мастер показал своё небольшое полотно, выполненное в современной манере. «Тайная вечеря» - яркий, коричнево – алый колорит, динамика фигур окружающих Христа передавали напряжение и драматизм последней встречи Иисуса с апостолами…
Мы тоже обменялись адресами и простившись, пожелав друг другу удачи в творчестве вышли из дворца. Снаружи уже давно наступила ночь и огоньки Лондона, лежащего далеко внизу под нашими ногами, ярко сверкали, оттеняя темноту ночи.
По небу во всех направлениях двигались мерцая огоньки самолётов, которых я насчитал в небе, не менее пяти одновременно.
Эти сигнальные огни были похожи на яркие звезды из неизвестных созвездий, но только и звезды, и сами созвездия двигались по небу, «разлетаясь» в разные стороны.
По полуосвещённому склону, осторожно, обходя топкие места на зелёном газоне, мы спустились к нашей машине и уже там, направляясь в сторону дома, с увлечением обсуждали увиденное и услышанное.
Выставка поразила нас своим красочным богатством и многообразием приёмов и жанров. Память об этом событии надолго сохранится и я подумал, что будет замечательно, если в своём журнале «Что есть Истина?», мы откроем рубрику живописи и первыми картинами, которые поместим на страницах журнала, будут картины художников, с которыми мы познакомились в этот день во Дворце Александры…

Осень, 2005 года. Лондон. Владимир Кабаков.

Фотохудожник Продипта Дас.

…Вчера мы побывали на выставке фоторабот нашего хорошего знакомого, английского фотографа Продипты Даса.
Выставка проходит в индийском центре имени Ганди, в Лондоне и мы там уже бывали на представлении книги Продипты о Бангладеш.
Центр находится неподалеку от Оксфорд - Стрит и добираясь туда на автобусе, мы увидели вечерний Лондон во всей его красе и разнообразии. Проехали через Чайна – таун, потом через Пикаддили, и выйдя из автобуса на краю Грин-парка, углубились в богатый район города, прилегающий к большим паркам, протянувшихся вдоль недалекой Темзы.
Войдя в Центр Ганди, мы записались в книгу посетителей, взяли со столика по бокалу вина и вошли в зал, где уже было много посетителей.
Су, моя жена, встретив знакомых остановилась и стала разговаривать, а я пошёл вдоль экспозиции, отмечая про себя, что многие фото работы, больше напоминают жанровые картины современных художников.
Выяснилось, что большинство фотографий - это увеличенные копии фото из книг Продипты для детей, которые он делает в соавторстве с писателями и поэтами, разных национальностей.
Он выпустил уже много книг для английских детей о странах мира и их названия, начинаются на одну из букв английского алфавита.
На сей раз это были Израиль и Индия, единственные сдвоенные названия на букву И.
В израильском цикле работ много фотопортретов на фоне стены Плача, и несколько живописных зарисовок природы, в том числе и окрестностей моря Галилейского.
Я с волнением всматривался в панораму прибрежных холмов и думал о том, что две тысячи лет назад, по этим холмам, вместе с учениками ходил молодой Иисус из Назарета, позже названный Христом – Мессией.
Была здесь и величественная панорама современного города, столицы Израиля, Тель-Авива. В добавление - несколько картин дикой природы: горный козёл с саблевидными крупными рогами и стая журавлей на озере…
Но пожалуй самая замечательная картина – это вход в церковь Святой Урсулы. У стены, рядом с каменной лестницей ведущей внутрь храма, на фоне стены выложенной крупными камнями, сидят две монашки в чёрном и одна из них держит мобильный телефон!

...Индия представлена больше портретами бедняков и судя по снимкам, уровень жизни в Индии намного ниже чем в современном Израиле. Запомнились портреты отца и сына, - уличных торговцев. Сын почтительно поправляет головной убор отца, а тот, сосредоточенно и немного отрешённо смотрит перед собой…
На другом фото - грустная картина разбитой машины у входа в автомастерскую. В дверях стоит мастер, обещающий восстановить эту кучу металлолома, превратив её в рабочую «лошадку»!
Поразила меня фото Канченджанги - одной из самых высоких горных вершин не только Гималаев, но и всего мира. На вершинах наполовину засыпанных снегом, торчат горные пики и снимок передает масштаб и величие горных массивов Индии.

…После просмотра выставки, улучив момент мы подошли к Продипте и тепло поздоровались с ним. А потом стали вспоминать, как путешествовали вдвоём, делая книгу о России из той же серии, что и представленные на выставке.
Продипта делал фотографии в эту книгу, а я писал тексты, иллюстрирующие его фото.
Книга, общими стараниями получилась красочной и интересной и кто –то из русских знакомых говорил, что она могла достойно представляла Россию в отечественной серии «Сокровища России». Надо отметить, что мы старались и работали с утра до вечера, понимая ответственность нашей миссии
Тогда, после напряжённых дней наполненных встречами и переездами, Продипта признавался мне, что Россия ему понравилась больше, чем другие страны в которых он побывал! И конечно его поразило и очаровало гостеприимство и дружелюбие русских людей - моих друзей, просто знакомых и даже незнакомых людей!
Работая над книгой мы побывали в России дважды. Первый раз в сентябре в течении месяца, пролетели на самолетах, проехали на автомобилях и по железной дороге около двадцати пяти тысяч километров!
А второй раз были зимой в Москве и в Питере – ведь Россия северная страна и представить её в фотографиях без снега, просто невозможно!
Вот и в этот раз, уже в Лондоне, вспомнили как поёживаясь от холода, вышли на Красную площадь, безлюдную и пронизываемую колючим ветром, который не давал остановиться ни на секунду. В тот день, с утра было около минус двадцати пяти градусов по Цельсию, и мы всерьёз боялись отморозить носы.
Потом, вспомнили русскую баню в Питере, как Продипта, первый раз попал в парную и испуганный зверской, обжигающей жарой, с сочувствием смотрел туда, где мужики в рукавицах и войлочных шляпах прикрывающих уши, неистово хлестали себя по спинам.
Зато после парилки и водных процедур, сидя в раздевалке и попивая чай с лимоном в окружении друзей, Продипта признался, что он чувствует себя обновлённым и совершенно счастливым, словно побывал в раю!

Наша книга называлась по-английски “R is for Russia” и вышла в твёрдом переплёте, в известном английском издательстве «Френсис Линкольн» лет семь назад. Она получила хороший рейтинг и продаётся по сию пору, в том числе и в интернете.
Я и сегодня немного жалею, что её нет в русских школьных библиотеках, потому что по ней, русским школьникам было бы легко изучать английский язык, видя знакомые фотографии о России и сценки из российской жизни!
После той поездки, кроме нашей книги, Продипта Дас издал фотоальбом в США, который коротко назывался “Russia”, куда вошли фотопортреты русских людей встреченных нами во время путешествий, и виды неповторимой российской природы!
В их числе и побережье Байкала, и тигры из заповедника на озере Ханка на Дальнем Востоке, и виды из поезда «Москва – Владивосток», на котором мы прокатились из столицы нашей Родины Москвы, на побережье Тихого океана…
Было много встреч, приятных знакомств, много желающих помочь нам. И все они с гордостью говорили о своей необъятной Родине.
Вовремя той поездки я вёл дневники и потом, уже в Лондоне, по этим заметкам написал книгу на русском языке, о наших встречах и приключениях в России, назвав её «Двадцать пять тысяч километров по России» - книга давно выложена в интернет и её, с интересом читают многие россияне…

В это раз, при расставании с Продиптой, мы договорились увидеться в ближайшее время. Он предложил сделать материал для журнального приложения «Санди Таймс» о русских в Лондоне, и мне эта идея показалась очень заманчивой…
Домой мы возвращались уже через Оксфорд-Стрит, добираясь пешком до ближайшей станции метро.
Мы шли не торопясь, обсуждали увиденное на выставке Продипты и любовались вечерним городом и многолюдьем, обычным для этой главной улицы Лондона!
Говорили о Продипте Дас, приехавшем из Индии в Англию мальчиком, где после школы закончил университет, потом учительствовал, а увлекшись фотографией, стал фотографом-профессионалом высокой пробы и сегодня, ежегодно делает выставки своих работ в известных галереях и издал уже который десяток книг…
Приехав домой, мы заварили индийский чай и сидя в гостиной вспоминали моменты давних сборов для путешествий в Россию…
Мы вообще много путешествуем по миру - совсем недавно побывали в Японии и были очарованы этой, ни на кого не похожей цивилизацией.
После этой интересной поездки, у нас с женой появились планы нового большого путешествия - в начале года, мы решили снова ехать в Россию - в Москву и в Питер - а потом, через Иркутск и Байкал добраться в Монголию и там путешествовать по интереснейшим и диким местам.
У нас ещё хватает молодого задора и оптимизма, чтобы радоваться новым и новым далёким путешествиям, в которых открываются красоты природы и дружеские характеры людей, населяющих разные страны мира!
И естественно, из каждой такой поездки, мы привозим большой фотоархив, который часто рассматриваем, вспоминая пройденные пути-дороги, показывая эти чудеса родным и знакомым…



Март 2016 года. Лондон. Владимир Кабаков

Пол Нэш в Тэйт Галлери.

Справка из «Википедии»:

Пол Нэш (1889, Лондон — 1946, Боскомб, Хемпшир) — английский художник, иллюстратор, дизайнер и критик.
Прославился своими выдающимися картинами на тему первой мировой войны, изобличающих разрушение природы человеком. В межвоенные годы Нэш стал активным представителем авангарда. Написал множество пейзажей, в которых представлены видения сна, а реальные предметы накладываются на выдуманные.
В 1933-ем году сформировал группу Unit One («Объединение один»), целью которой была популяризация современного искусства, архитектуры и дизайна. Наиболее передовыми тогда представлялись абстрактное искусство и сюрреализм, сам Нэш в середине 30-х работал в обоих направлениях. Участвовал в организации Международной выставки сюрреалистов 1936-го года. Первая и единственная групповая выставка Unit One была проведена в 1934-м году и сопровождалась выпуском книги Unit One. Она состояла из текстов всех художников группы, фотографий их работ и вступления критика Герберта Рида. Кроме того, к группе принадлежали: Джон Армстронг, Джон Бигге, Эдвард Бурра, Барбара Хепуорт, Генри Мур, Бен Николсон, Эдвард Уодсворт и архитекторы Уэлльс Коат и Колин Лукас…»

…Художник Пол Нэш, будучи офицером на фронтах первой мировой войны, начинал как хроникёр военных ужасов Первой мировой войны, чем и заинтересовал военное министерство Англии. Вначале, работал пером и кистью на бумаге.
Долгое время, Пол Нэш находился под сильным влияние Вильяма Блейка - немножко сумасшедшего английского художника, гравера и поэта. С первого взгляда на «молодые» картины Пола Нэша, кажется, что это некий современный Блейк, тяготеющий к символизму в попытках выразить сложность и мифологичность мира, через фантастические образы, с последующим объяснением их через поэтические фигуры!
Сама война, которую изображал Нэш на своих полотнах, предстает перед нами как некий абсурд, полный смерти, ужасов и нелепостей. Но в жизни так оно и есть и потому, молодого Нэша можно считать реалистом.
А геометризм, уже в его ранних работах, заставляют предвидеть его дальнейшее творческое развитие в сторону нефигуративной живописи наполненной символическими фигурами, несущими в себе отражение изломанного сознания человека изувеченного ужасами современного существования, невыразимого в формах традиционных, рожденных ещё в эпоху Ренессанса.
Потом появился цвет и художник начал писать маслом о тех же ужасах войны, которые благодаря светлому колориту таких работ, при всей жути изображаемых ландшафтов, производят ещё и впечатление надежды на оптимистическое будущее - ведь война не продолжается вечно…
Меня, Пол Нэш заинтересовал как значимая фигура в процессе эволюции живописи, двигающейся в будущее, в сторону сюрреализма, с постепенным отказом от гуманистических канонов. По моему мнению, его творческая судьба может служить примером развития кризиса современной живописи и её перехода на пути абстракции, авангарда, то есть в сторону дегуманизации искусства.
В определённом смысле, можно противопоставлять этот «живописный» тупик, куда, после первой мировой войны, устремляется западное искусство, развитию в СССР «социалистического реализма», полного нарочитого оптимизма и желания помочь становлению страны и объединения народа.
Эта тема, пока не нашла своих исследователей, хотя, может во многом прояснить некоторые социальные противоречия, возникшие в двадцатом веке и связанные с эволюцией социальных систем управления, появившихся после Русской революции 1917- ого года, в разных странах мира...
Следующий этап творчества Нэша, связан эмоционально с окончанием войны и любованием миром, воздушно прекрасным во всех его проявлениях, который мы в обычное время за пеленой забот и мелких треволнений, в суете рутинной жизни, просто не замечаем. А люди прошедшие войну и оставшиеся в живых, очень остро воспринимаю это состояние тишины, благообразия и красоты окружающей человека.
Тем, кто не воевал, не сидел в грязных окопах, не терял своих друзей в этой бойне, трудно понять безграничный оптимизм воинов наконец дождавшихся мира и радующихся своей удаче. И вместе, их сознание, изувеченное увиденным и пережитым на фронте, борется с ранами долго незаживающей памяти.
Этим и объясняется всплеск ярких красок и послевоенное увлечение художника природными пейзажами. Ведь природа лечит нашу душу и способна вызывать чувство восторга, если ты свободен и находишься в безопасности!
Наверное поэтому, лес и деревья становятся постоянной темой творчества Нэша. Ещё в военных работах, Нэш показывает не только трупы людей и разрушенную военными действиями землю, но прежде всего изувеченные обстрелами деревья, становящиеся на его картинах, символом разрушительной сущности любой войны.
В тридцатые годы, творчески эволюционируя, художник становится одним из видных сюрреалистов – авангардистов.
И каким-то странным образом, творчество Нэша и его друзей, сама сущность сюрреализма предсказала начало новой, Второй мировой войны и все её ужасы, абсурд и материальный хаос, так непохожий на нормальные мирные ландшафты и обычную жизнь людей в мирное время.
…В конце жизни, этот художник возвратился к фигуративной живописи, полной символов и аллегорий, часто превращающихся в попытки изобразить природу и бытие человека через живописные фантазии, воплощающие осколки снов и мечтаний об утраченном человечеством, земном рае!
…Но помимо человеческой истории, в которой в разных качествах пребывают все люди, в том числе и художники, одним из определяющих факторов развития живописи, был и остаётся момент «заказа», во многом определяющий древних времён, направление развития живописи.
В эпоху Ренессанса, главным направлением живописи был так называемый «волшебный реализм», заказчиками которого были богатые аристократы и торговцы. И одной из основных тем художников той эпохи, были темы религиозные, потому что христианство, было в те века основополагающей идеологией западного общества.
Живопись, в определённом смысле вырастала из иконографии, постепенно развивая навыки и способности художников изображать окружающий мир. Уже в семнадцатом веке, все галереи и салоны богатых людей были полны картин, изображавших и природу, и человеческие тела, и лица в волшебном освещении гуманизма и религиозного оптимизма.
Однако со временем, живопись послеренессансной эпохи, как мне кажется, благодаря заказчикам, постепенно дрейфовала от строгости и скромности религиозных сюжетов, в сторону гедонизма и даже порнографии. (Об этом в другой статье).
Но начиная с двадцатого века, в мир вторглись страшные мировые войны, непохоже, по своим ужасным последствиям, на войны средневековые. В двух Мировых войнах, от воли одного человека ничего не зависело и эти «побоища», были следствием социальных перемен и катаклизмов, разрушивших традиции и религиозные составляющие жизни современного человека!
Этот воплощённый Апокалипсис, в виде мировых войн, толкнул развитие искусства в сторону дегуманизации, прежде всего выраженного в искусстве авангарда, озабоченного желанием удивить и напугать неосторожного обывателя, рискнувшего стать заказчиком и зрителями таких художественных опусов.
Кто-то из философов сказал, что после ужасов мировых войн, мы уже не можем оставаться гуманистами! И это проявилось не только в живописи, но и в послевоенном искусстве, вообще.
Абсурдность, жестокость современного мира, превратившегося в атеистическую ярмарку потребления и тщеславия, внезапно сменяющуюся ужасами войны, мы уже не можем изображать традиционными гуманистическими средствами и методами.
…Но повторяю, в двадцатом веке появились заказчики и любители таких изображений абсурда современной жизни, и этим можно объяснить взлеты и падения того, что мы сегодня называем «современным искусством».
Во времена Нэша, поиск новых форм и средств их выражения, объединили одну из групп художников и скульпторов, в сообщество названное «Юнит Ван». Такие объединения, в борьбе за признание новых форм и методов выражения в мире живописи, тоже были следствием зарождения абстрактного, сюрреалистического и символического искусства.
Выставки, устроенные членами объединения, привлекли как сторонников так и противников нового направления в живописи, хотя сегодня, эти имена уже стали классикой авангарда, одной из значительных фигур такого направления в живописи, и стал Пол Нэш.
…Остаётся добавить, что выставка демонстрируется в здании старой «Тэйт галлери», во дворце, олицетворяющем богатство и архитектурные излишества, присущие началу двадцатого века. Если сравнивать его с новым «Тэйтом», размещённом в старой тепловой электростанции, то невольно возникает ассоциации - сравнения живописи Ренессанса и современного авангарда…

…Мы вышли с выставке уже в темноте и после долгих часов, проведённых в обществе дивных и часто страшных фантазий Пола Нэша, особенно бросилась в глаза удивительная и привычная уже панорама высоток, мчащихся машин и множество людей на улицах Лондона, которые торопились после работы домой…
Эта подсвеченная электрическими огнями панорама, своим геометризмом, игрой света и тьмы, особенно ощутимой при изобилии электрических и электронных реклам, напомнила картины современных художников, вдохновляемых в своем творчестве материальными и социальными изменениями произошедшими за последние столетия, преобразивших мир до неузнаваемости!


Февраль 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков

Революция. Русское искусство 1917-1932.

Выставка в Королевской Академии Искусств в Лондоне.

Вместо эпиграфа:

«…Революция, если рассматривать ее самое существенное и простое первоначало, есть естественный плод, последнее слово, высшее выражение того, что в продолжение трех веков принято называть цивилизацией Запада…» - Федор Тютчев

…Первое большой впечатление от этой выставки, связано с чувством гордости за историю Русской Революции: народу на выставке несчитано с утра до вечера!
Второе впечатление – англичане и устроители выставки, по-прежнему не понимают корней русской революции и трагизма реализации мечты революции – построить новый мир на основе добра, свободы равенства и справедливости на месте прогнившей монархии!
И третье чувство – вопрос - почему такие выставки не организуют за границей, российское министерство культуры, при поддержке отделов культуры при посольствах.
Вспомнилась «русская выставка» организованная в галерее Сатчи, в Лондоне, в том числе с участием русского посольства в Англии. Я уже писал о ней, но в сравнении с нынешней выставкой в лондонской Академии искусств, прославляющей русское революционное искусство, на той выставке, Россия была представлена как страна хаоса, пьяных и развратных граждан. И туда водили английских школьников, чтобы показывать им, какая Россия плохая!
Сравнивая два этих культурных события, хочется спросить у чиновников, возглавляющих российский министерства культуры - почему вы не можете объективно показывать и рассказывать о реальной, порой трагической, но реальной жизни и истории в Советском Союзе?! В том числе истории революционного искусства, повлиявшего на развитие искусства во всем мире.
И в России тоже надо делать такие выставки, чтобы у новых поколений россиян воспитывать чувство гордости за свою страну!
Конечно вопрос - почему это не делают российские власти заграницей и в стране, вопрос риторический.
Главная причина здесь, в равнодушии, а часто и в ненависти новой власти к Советскому Союзу.
А вторая причина – неумение и нежелание российских чиновников, возглавляющих «культуру» в «новой» России, работать на современном уровне. Могут и должны заниматься продвижением образа России в странах «проживания» чиновники посольские, особенно атташе по культуре. (Но о российском чиновничестве в другой статье).
…В экспозицию этой выставки в лондонской Академии, вошли работы всех известных русских, российских авангардистов, и вместе – что редко бывает - там были Грабарь, Бродский, Юон, Кустодиев и целый зал был посвящен творчеству Петрова-Водкина.
А из авангардистов были Шагал, Кандинский, Малевич, Родченко, Татлин, Попова, Маяковский, Эль – Лисицкий и много других авторов, мало известных сегодня.
Были работы революционных фотографов - замечательные фотографии тех пламенных лет. А в просторных залах, в нескольких местах, показывали на больших и малых экранах фрагменты революционного кино. Там были Эйзенштейн, Эрлер, Барнет, Пудовкин, Дзига Вертов, Козинцев…
Глядя на это, популярное сегодня в Англии многообразие советского, революционного искусства - подряд, в нескольких местах идут выставки и показы советского искусства - я подумал, что режим Реставрации в России похоже блокирует празднование столетие Революции. И эта блокада производится силами новых образованцев, обслуживающих интересы бандитского, олигархического строя.
меня, как и многих англичан, поражает это историческое нечувствие современной российской образованщины, отрицающей влияния Революции на весь мир, непонимание ими силы и мощи русской пролетарской революции, прежде всего отразившейся в искусстве и культуре не только в Союзе, но и во всем мире!
В определенном смысле, нынешние образованцы, с их антисоветизмом и антикоммунизмом, провоцируют неонацистов на Украине и в Прибалтике на антироссийские и антисоветские выступления. Ещё и поэтому прибалтийские политики, опираясь на сочувствие со стороны этих российских социальных люмпенов, собираются устроить трибунал над «коммунистическим режимом»!
Странно, что в этом начинании, российская чиновная элита иногда подыгрывает неонацистам в бывших советских республиках!
Сегодня в российских СМИ, появилось много «белых» патриотов, типа Холмогорова, готовых, часто по глупости и неумению просчитывать последствия, пойти на поводу у украинских и прибалтийских националистов!
В ответ на приближающийся юбилей русской Революции, мы слышим и читаем у «домотканых» историков, публицистов и литераторов, называющих себя иногда «патриотами», о губительности революции для истории России.
И эти всхлипывания, разного рода антисоветчиков, о «России которую мы потеряли», говорят о том, что в среде российской образованщине до сих пор бытуют мифы о возможности избежать революции и тем самым, стать похожими на Англию.
И этот бред, в черносотенной, монархической обложке, сегодня, в определённых кругах очень популярен в России!
Но этим «анахоретам» надо знать, что революция в социуме похожа на бурю в природе, а человеческие желания и мнения, ничего не могут в этом изменить! Ведь явления природы, часто страшные и разрушительные, не спрашивают у людей хорошо это или плохо. Они просто происходят!
А главная причина любой революции - преобладание социальной несправедливости над справедливостью - то есть, в каждой революции есть христианские корни, которые, российские церковные власти яростно отрицают!
Можно утверждать, что так же, как главной причиной природных бурь, является разница в атмосферном давлении между высоким и низким, а буря, это пусть временное, но выравнивание атмосферного давления в природе, в Революции тоже, преобладание несправедливости в отношениях людей, вызывает протест и происходит процесс восстановления попраной справедливости! И этот процесс – борьба, неизменно происходит с жертвами, часто несоизмеримо большими. Но такова суть каждой Революции, как впрочем и Контрреволюции!
…Сегодня в России, трудно понять и оправдать отношение руководителей Государства, которые стараясь угодить любителям монархии Романовых, старательно разваливают и переписывают не только историю страны, но вносят раскол в существование российского общества.
Сегодня, со всей очевидностью можно сказать – в девяностых годах прошлого века в России победила Контрреволюция и в стране, на какое-то время установился режим Реставрации. Конечно Реставрация скоро закончится, но пока, именно она определяет всю жизнь российского общества, в котором, вновь стала накапливаться разница между уровнями несправедливости и справедливости. А это чревато новой Революцией!

…Возвращаясь к выставке, надо сказать, что и здесь нет полного понимания цели и смысла перемен, происходивших не только в общественных отношениях, но и в культуре, и в искусстве, и не только в России, но и во всём мире! Даже в странах капиталистических, чувствуется хотя бы желание это понять, чего совсем нет в сегодняшней России…
Однако, возвратимся к выставке…

На входе, в первом зале поражают прежде всего портреты Ленина, кисти Бродского. Картина, «Ленин работающий за письменным столом», ещё совсем недавно входила во все советские учебники и хрестоматии по искусству, но сегодня – это реликвия, над которой принято посмеиваться.
И тут же, рядом с Лениным, портрет Сталина, что в российском «официозе» считает табу.
Согласитесь – странное отношение российской чиновной власти к победителю Гитлера и спасителю не только СССР но и всего мира, от коричневой чумы, захлестнувшую в те эпические времена половину мира!
Значение Сталина в этой победе отмечали тогда даже его яростные недруги! А сегодня, новая Россия, её чиновный класс – главные очернители советской власти и яростные ненавистника Сталина!

…Конечно, многие англичане приходят на эту выставку посмотреть работы основателей и вдохновителей «нового» искусства: Малевича, Шагала, Кандинского. Но многих поражают малоизвестные здесь работы Кустодиева, Нестерова, Малявина, Филонова…
А работам Петрова-Водкина, отведён целый зал, может быть ещё потому, что этот автор знаменитой картины «Купание красного коня», на Западе и в Англии в частности, постепенно становится символом русской Революции!
…Замечательная движущаяся инсталляция Татлина «Летатлин», поражает взлётом творческой фантазии в сочетании с инженерной мыслью выраженной в символах изображающий полёт. А Эль-Лисицкий представлен большой структурой инженерного дизайна квартиры будущего, где в большие пространства «окон», мы видим большой город, простирающийся далеко и ввысь…
Рядом, кинофрагменты знаменитых режиссеров показывают быт и стремление к переменам, наполнявшим послереволюционную жизнь в России - бородатые мужики-крестьяне, с удивлением смотрят на первые трамваи в провинциальных городах, на лампочки Ильича, а быт коммуналок, даёт представление о том, как проходило становление и укрепление новой жизни.
И в контрасте этой бедной полуфеодальной жизни первых лет революции, показан большой фрагмент выступления спортсменов и физкультурников уже в тридцатые годы на Красной площади, перед мавзолеем Ленина.
Весёлые лица, сильные фигуры, красота и чистота линий движения и перестроений одетых в белые одежды уже новых, молодых советских людей, удивляют нас даже сегодня. И эта новая жизнь, как небо от земли отличалась от заскорузлой, трудной и тревожной жизни, которая была в России всего лишь двадцать лет назад, то есть до Революции. Революционный энтузиазм молодых, позволил Советскому Союзу выстроить сильное государство рабочих и крестьян, которое прошло проверку на надежность и силу в страшные годы Великой Отечественной войны! Вот где надо искать пути новой модернизации страны российскому правительству, сегодня…

Революция действительно произвела потрясающую перемену в жизни и мироощущении советских людей, если сравнивать их жизнь и жизнь россиян до Революции. И эту разницу видно невооружённым глазом…
Большой отдел выставки отведён плакатам и знаменитым «окнам РОСТа» в исполнении поэта и художника Владимира Маяковского, сегодня тоже незаслуженно ошельмованного и забытого в России.
Конечно, наибольшее внимания публика обращает на работы Малевича, Шагала и Кандинского. Эти имена знакомы каждому культурному человеку не только в Англии, но и вообще на Западе. Их работы подтолкнули фантазию современных нам художников, на поиски новых форм и содержания.
И их значение в формировании нового искусства в живописи, можно сравнить с не менее революционными выступлениями антрепризы Дягилева в Европе. Музыка Стравинского, эскизы костюмов русских художников, выдающиеся танцоры – все это было настоящим культурным шоком и стало революцией в классическом балете…
Тут надо поговорить о том, что искусство революции, началось задолго до самой революции и отражало стремление России и русских людей к новым формам жизни, к новым формам в искусстве! Именно это желание перемен, пусть на время, определило лидирующие позиции русских писателей, музыкантов, художников, скульпторов и архитекторов, в искусстве и литературе во всем мире.
И конечно, в сравнении с «искусством» порожденным нынешней Реставрацией, революционное искусство выражало стремление страны и людей в будущее и к работе по обновлению страны и человеческих отношений!
К сожалению сегодня, во времена контрреволюции, искусство в новой России, направлено в далекое прошлое, а его апологеты, в бессильной злобе занимаются фальсификациями недавней истории страны - периоды взлёта культуры и искусства народов Советской России, эти деятели, показывают через «мутное стекло» Реставрации!

…В завершении, надо отметить, что даже в Лондоне, где проходит одновременно множество выставок, эта экспозиция вызвала неожиданный ажиотаж - с утра выстраиваются очереди желающих посмотреть искусство рождённое Революцией!
Мне даже показалось что весь этот ажиотаж вызван интересом англичан, к великому революционному эксперименту, случившемуся в России в начале двадцатого века. Русская революция повлияла на жизнь во всём мире и её величие и драма, интересна благообразным англичанам, в большинстве живущих сытой, обывательской жизнь!
И им остается только завидовать этой удивительной, великой и драматичной современной истории России!



Март 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков.

Оксфорд и Рафаэль Санти.

…О Кембридже я уже писал. Теперь хочу рассказать о поездке в Оксфорд…
Поехали в субботу утром на станцию метро Мабл Арч и у автобусной остановке рядом с Гайд парком стали ожидать автобуса…
Английский газон и листва на крупных деревьях в парке, под лучами яркого утреннего солнца, празднично играла ярко-зелёным и по дорожкам деловито бежали любители ранних прогулок.
В такое утро, любая поездка доставляет удовольствие – так приятно из окна наблюдать за проносящимися мимо сельскими видами с полями, лугами и лесами…
Желающих уехать в Оксфорд было достаточно много и мы стояли минут десять ожидая автобуса, опасаясь, что для нас не хватит мест. Но мы напрасно беспокоились - автобус двухэтажный, комфортный с кондиционером и Вай Фаем вместил всех и ещё свободные места остались.
«Заселившись» внутрь, мы остались внизу, а большинство пассажиров поднялись на второй этаж – оттуда лучше видны окрестности хайвэя.
Езды всего около ста минут и уже в одиннадцать часов мы были в центре Оксфорда, на автостанции. Вышли из автобуса и окунулись в толпы туристов. Их были уж очень много -тысячи и тысячи – и в основном школьники!
Такое на моей памяти бывало в советские праздники, когда сотни тысяч людей рассредоточивались в примыкающих улицах, а потом с песнями транспарантами и флагами выходили на центральную улицу и шествовали мимо трибун на городских площадях…
В это день, нечто похожее происходило и в старинном Оксфорде.

Справка об Оксфорде из Википедии:

«…Оксфорд (англ. Oxford — «воловий брод», «бычий брод», произносится [;;ksf;d]) — город в Великобритании, столица графства Оксфордшир. Оксфорд известен благодаря старейшему в англоязычных странах и одному из старейших в Европе высших учебных заведений — Оксфордскому университету. Оксфордский университет — это уникальное и историческое учреждение. О точной дате его создания не известно, но открыт он был, как духовная академия при местном крупном монастыре - тогда это было обычным делом. Однако, в той или иной форме обучение в Оксфорде существовало уже в 1096 году. А с 1167 г., когда Генрих II объявил о запрете английским студентам поступать в Парижский университет, обучение стало быстро развиваться. Все ведущие рейтинги учебных заведений Великобритании называют этот университет лучшим в стране; кроме того, он дал миру около 50 Нобелевских лауреатов.
Оксфорд стоит на берегу Темзы. Примечательно, что протекающий через город участок реки длиною в 10 миль принято называть The Isis. В 2015 году население составляло 159 574 человек, из них около 30 000 — студенты университета…»

«…С расположенных в центре Оксфорда башни Карфакса и колокольни церкви Св. Марии открывается живописный вид на город.
Крайст-Чёрч построен в 1546 году по приказу Генриха VIII. Это самый большой колледж Оксфорда. С момента основания колледжа в его колокол «Старый Том» («Old Tom») звонят каждый вечер 101 раз (по числу монахов-основателей); раньше это возвещало о закрытии ворот и призывало монахов вернуться на территорию колледжа. Часовня колледжа — Оксфордский собор (англ. Christ Church Cathedral, Oxford), самый маленький в Англии.
Колледж Магдалины (англ. Magdalen College, Oxford) основан в 1458 году одним из преподавателей Винчестерского колледжа. По традиции каждый год 1 мая в 6 часов утра на верхней площадке готической башни этого колледжа хор поёт евхаристический гимн XVII века, послушать который на близлежащей улице собирается большая толпа горожан и туристов.
Из Университетского колледжа был отчислен поэт Шелли за безбожие; ныне ему здесь же воздвигнут памятник. Колледж основан в 1249 году. Корпуса XVII века в стиле ренессанс или поздней готики. Бодлианская библиотека была основана в 1598 году. Это самая крупная библиотека в Оксфорде, в ней 6 миллионов книг. Музей Ашмола основан в 1683 г. Это первый в Англии музей, открытый для посещения. Здесь можно увидеть произведения Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Рембрандта и Констебля. В Cast Gallery можно увидеть 250 греческих статуй. Ботанический сад основан в 1621 г. Здесь изучали лекарственные растения, а также растения, имевшие научное значение. Розарий посвящён открывателям и исследователям пенициллина.
Не менее интересным местом для посещения может представиться Крытый рынок («Covered Market»). Он находился в центре города, под открытым небом. Являясь самым опасным с точки зрения санитарии местом, рынок должен был быть уничтожен, но в итоге власти решили, что целесообразнее будет переместить его в здание, что и было сделано в 1774 году. Сейчас там можно купить продукты, разнообразные товары и сувениры, посидеть в кафе.
Среди других известных музеев Оксфорда: Музей истории Оксфорда, Коллекция музыкальных инструментов Бэйта (англ. Bate Collection of Musical Instruments), Университетский музей Оксфорда.
В Оксфорде можно найти известные на весь мир пабы. Среди них особое место занимает открытый в 1650 году паб The Eagle and Child, известный тем, что там проходили встречи литературного кружка «Инклинги» (англ. Inklings), членами которого являлись Дж. Р. Р. Толкин и К. С. Льюис. Кроме того, необходимо отдельно отметить пабы Lamb and Flag (англ. Lamb & Flag (Oxford)), Turf Tavern (англ. Turf Tavern) (который в свою очередь известен тем, что там, в бытность учёбы в Оксфорде, проводил свой досуг Билл Клинтон) и др…»

…Но нас с женой, особенно сегодня, достопримечательности интересовали мало. Целью нашего посещения был музей, в котором проходила выставка работ, а точнее рисунков Рафаэля Санти - пожалуй самого одаренного из всех гениальных художников эпохи Ренессанса, своим мастерством поражающего и наших современников!

Справка из Википедии:

«…Рафаэль Санти (итал. Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 28 марта 1483, Урбино — 6 апреля 1520, Рим) — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы…
Рафаэль рано потерял родителей. Мать Марджи Чарла умерла в 1491, а отец Джованни Санти умер в 1494. Отец был художником и поэтом и первый опыт художника Рафаэль получил в мастерской отца. Самая ранняя работа — фреска «Мадонна с младенцем», до сих пор находящаяся в доме-музее.
К числу первых работ относятся «Хоругвь с изображением Святой Троицы» (около 1499—1500) и алтарный образ «Коронование св. Николы из Толентино» (1500—1501) для церкви Сант-Агостино в Читта ди Кастелло…
В 1501 году Рафаэль приходит в мастерскую Пьетро Перуджино в Перудже, поэтому ранние работы выполнены в стиле Перуджино.
В это время он часто уезжает из Перуджи домой в Урбино, в Читта ди Кастелло, совместно с Пинтуриккьо посещает Сиену, выполняет ряд работ по заказам из Читта ди Кастелло и Перуджи.
В 1502 году появляется первая рафаэлевская мадонна — «Мадонна Солли», мадонн Рафаэль будет писать всю жизнь.
Первые картины, написанные не на религиозную тематику — «Сон рыцаря» и «Три грации» (обе — около 1504).
Постепенно Рафаэль вырабатывает свой стиль и создаёт первые шедевры — «Обручение Девы Марии Иосифу» (1504), «Коронование Марии» (около 1504) для алтаря Одди.
Помимо крупных алтарных полотен пишет небольшие картины: «Мадонна Конестабиле» (1502—1504), «Святой Георгий, поражающий дракона» (около 1504—1505) и портреты — «Портрет Пьетро Бембо» (1504—1506).
В 1504 году в Урбино знакомится с Бальдассаром Кастильоне…
В конце 1504 года переезжает во Флоренцию. Здесь он знакомится с Леонардо да Винчи, Микеланджело, Бартоломео делла Порта и многими другими флорентийскими мастерами. Тщательно изучает технику живописи Леонардо да Винчи, Микеланджело. Сохранился рисунок Рафаэля с утраченной картины Леонардо да Винчи «Леда и лебедь» и рисунок со «Св. Матфеем» Микеланджело. «…те приемы, которые он увидел в работах Леонардо и Микеланджело, заставили его работать ещё упорнее, чтобы извлекать из них невиданную пользу для своего искусства и своей манеры.»
Первый заказ во Флоренции поступает от Аньоло Дони на портреты его и жены, последний написан Рафаэлем под явным впечатлением от «Джоконды». Именно для Аньоло Дони Микела;нджело Буонарро;ти в это время создаёт тондо «Мадонна Дони».
Рафаэль пишет алтарные полотна «Мадонна на троне с Иоанном Крестителем и Николаем из Бари» (около 1505), «Положение во гроб» (1507) и портреты — «Дама с единорогом» (около 1506—1507).
В 1507 году знакомится с Браманте.
Популярность Рафаэля постоянно растёт, он получает много заказов на образы святых — «Святое семейство со св. Елизаветой и Иоанном Крестителем» (около 1506—1507). «Святое Семейство (Мадонна с безбородым Иосифом)» (1505—1507), «Св. Екатерина Александрийская» (около 1507—1508)…
Во Флоренции Рафаэль создал около 20 Мадонн. Хотя сюжеты стандартны: Мадонна либо держит Младенца на руках, либо он играет рядом с Иоанном Крестителем, все мадонны индивидуальны и отличаются особой материнской прелестью (по-видимому, ранняя смерть матери оставила глубокий след в душе Рафаэля).
Растущая слава Рафаэля приводит к росту заказов на мадонн, он создаёт «Мадонну Грандука» (1505), «Мадонну с гвоздиками» (около 1506), «Мадонну под балдахином» (1506—1508). К лучшим произведениям этого периода относятся «Мадонна Террануова» (1504—1505), «Мадонна с щегленком» (1506), «Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем („Прекрасная садовница“)» (1507—1508)…
Во второй половине 1508 года Рафаэль переезжает в Рим (там он проведёт всю оставшуюся жизнь) и становится при содействии Браманте официальным художником папского двора. Ему поручено расписать фресками Станцу делла Сеньятура. Для этой станцы Рафаэль пишет фрески, отражающие четыре вида интеллектуальной деятельности человека: богословие, юриспруденцию, поэзию и философию — «Диспута» (1508—1509), «Мудрость, Умеренность и Сила» (1511), и самые выдающиеся «Парнас» (1509—1510) и «Афинскую школу» (1510—1511)…
Папе Юлию II работа Рафаэля очень понравилась, даже когда она была ещё не закончена, и папа поручил живописцу расписать ещё три станцы, причём уже начавшие там росписи художники, включая Перуджино и Синьорелли, были отстранены от работ. Учитывая огромный объём предстоящей работы, Рафаэль набрал учеников, которые по его эскизам выполнили большую часть заказа, четвёртая станца Константина — полностью расписана учениками…
Сменивший в 1513 году Юлия II Лев X также высоко ценил Рафаэля.
В 1513—1516 годах Рафаэль по заказу папы занимался изготовлением картонов с сюжетами из Библии для десяти шпалер, которые предназначались для Сикстинской капеллы. Наиболее удачен картон «Чудесный улов» (всего до нашего времени дошло семь картонов).
Ещё одним заказом от папы были лоджии, выходящие во внутренний ватиканский двор. По проекту Рафаэля они были возведены в 1513—1518 годах в виде 13 аркад, в которых по эскизам Рафаэля были расписаны учениками 52 фрески на библейские сюжеты.
В 1514 умер Браманте, и Рафаэль стал главным архитектором строящегося в то время собора Святого Петра. В 1515 году он получает и должность главного хранителя древностей.
В 1515 году в Рим приезжает Дюрер и осматривает станцы. Рафаэль дарит ему свой рисунок, в ответ немецкий художник прислал Рафаэлю свой автопортрет, дальнейшая судьба которого неизвестна…
Несмотря на загруженность работами в Ватикане, Рафаэль выполняет заказы церквей на создание алтарных образов: «Святая Цецилия» (1514—1515), «Несение креста» (1516—1517), «Видение Иезекииля» (около 1518).
Последним шедевром мастера является величественное «Преображение» (1516—1520), картина, в которой проглядывают черты барокко. В верхней части Рафаэлем в соответствии с Евангелием на горе Фавор изображено чудо преображения Христа перед Петром, Иаковом и Иоанном. Нижняя часть картины с апостолами и бесноватым отроком была завершена Джулио Романо по эскизам Рафаэля…
В Риме Рафаэль написал около десяти Мадонн. Выделяются своей величественностью «Мадонна Альба» (1510), «Мадонна Фолиньо» (1512), «Мадонна с рыбой» (1512—1514), «Мадонна в кресле» (около 1513—1514).
Самым совершенным творением Рафаэля стала знаменитая «Сикстинская мадонна» (1512—1513). Эту картину заказал Юлий II для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце. «"Сикстинская мадонна" поистине симфонична. Переплетение и встреча линий и масс этого холста изумляют своим внутренним ритмом и гармонией. Но самое феноменальное в этом большом полотне — это таинственное умение живописца свести все линии, все формы, все цвета в такое дивное соответствие, что они служат лишь одному, главному желанию художника — заставить нас глядеть, глядеть неустанно в печальные глаза Марии.»
Помимо большого количества картин на религиозные темы, Рафаэль создаёт и портреты. В 1512 году Рафаэль пишет «Портрет папы Юлия II». «В это же время, пользуясь уже величайшей известностью, он написал маслом портрет папы Юлия, настолько живой и похожий, что при одном виде портрета люди трепетали, как при живом папе.» По заказам папского окружения были написаны «Портрет кардинала Алессандро Фарнезе» (около 1512), «Портрет Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси» (около 1517—1518).
Особо выделяется «Портрет Бальдассаре Кастильоне» (1514—1515). Спустя много лет этот портрет будет копировать Рубенс, Рембрандт сначала зарисует его, а затем под впечатлением от этой картины создаст свой «Автопортрет». Отвлёкшись от работы в станцах, Рафаэль пишет «Портрет Биндо Альтовити» (около 1515).
Последний раз Рафаэль изобразил себя на «Автопортрете с другом» (1518—1520), хотя какому именно другу на картине Рафаэль положил руку на плечо, неизвестно, исследователи выдвинули множество малоубедительных версий…
Банкир и покровитель искусств Агостино Киджи построил на берегу Тибра загородную виллу и пригласил Рафаэля для её украшения фресками на сюжеты из античной мифологии. Так в 1511 году появилась фреска «Триумф Галатеи» . «Рафаэль изобразил в этой фреске пророков и сивилл. Это по праву считается его лучшим произведением, прекраснейшим в числе стольких прекрасных. Действительно, женщины и дети, там изображённые, отличаются своей исключительной жизненностью и совершенством своего колорита. Эта вещь принесла ему широкое признание как при жизни, так и после смерти.»
Сохранилось около 400 рисунков Рафаэля. Среди них есть подготовительные рисунки и наброски к картинам, имеются и самостоятельные произведения.
Сам Рафаэль гравюрами не занимался. Однако Маркантонио Раймонди создал большое количество гравюр по рисункам Рафаэля, благодаря чему до нас дошло несколько изображений утраченных картин Рафаэля. Художник сам передавал Маркантонио рисунки для их воспроизведения в гравюре. Маркантонио не копировал их, а создавал на их основе новые художественные произведения, он занимался этим и после смерти Рафаэля.
Гравюра «Суд Париса» вдохновит Мане на знаменитый «Завтрак на траве».
Как и многие художники его времени, как например, Микеланджело, Рафаэль писал стихи. Сохранились его рисунки, сопровождаемые сонетами…
Вазари писал, что Рафаэль умер «после времяпрепровождения ещё более распутного, чем обычно», но современные исследователи полагают, что причиной смерти была римская лихорадка, которой заразился живописец во время посещения раскопок. Рафаэль умер в Риме, 6 апреля 1520 г. в возрасте 37 лет. Похоронен в Пантеоне. На его гробнице имеется эпитафия: «Здесь покоится великий Рафаэль, при жизни которого природа боялась быть побеждённой, а после его смерти она боялась умереть» (лат. Ille hic est Raffael, timuit quo sospite vinci, rerum magna parens et moriente mori)…»

…Я специально дал такие длинные цитаты из Википедии, чтобы читатели поняли, как много замечательных рисунков, картин и фресок было создано гениальным художником за свои тридцать семь лет жизни!
Невольно вспоминается Пушкин, который тоже за тридцать семь лет создал целую эпоху в русской литературе и стал для России тем, чем стал для Англии Шекспир!
Из истории жизни этих гениев можно сделать вывод, что талант раскрывается очень рано и чрезвычайно плодотворен. Это касается всей области творчества доступного человеку.
И на наше счастье, творчество именно таких гениев движет живопись, искусство, литературу в будущее.
Но увы, часто жизнь и работа таких самородков становятся вершиной, после которой идет медленный упадок, приводящий искусства либо к жалкому подражанию, либо уже к бесстыдному зарабатыванию денег, используя невежество большинства современных обывателей!
…В буддизме исторический процесс и человеческие цивилизации изображается, как смена разных по уровню эпох, которые достигая апогея развития, клонятся к закату и самоуничтожению. Гегель считал древнегреческую скульптуру, вершиной искусства ваяния, повторить которое человечество уже не сможет, по разным причинам.
Нечто подобное мы видим в живописи Ренессанса, которое тоже стало вершиной изобразительных искусств, после которого, художественное изображение мира, медленно, но неуклонно двигалось к упадку и завершается сегодня полнейшей профанации способности человека видеть и повторять в красках красоту и совершенство, существующего вокруг нас мира природы и человека.
К сожалению, такая деградация искусства, может служить первыми приметами грядущего коллапса человеческой цивилизации о котором так упорно твердили буддисты. И в истории человечества гибель локальных цивилизаций уже неоднократно имела место. Но эти местные «апокалипсисы» не захватывали большинство человечества.
…Сегодняшняя ситуация с набирающим силу глобализмом и изобретением оружия массового поражения, неуклонно приближает мир к чему-то трагически громадному и страшному, то есть к крушению человечества, по сравнению с которым, картины библейского Апокалипсис, покажутся легкомысленной прогулкой в Ад.
Но эту тема уже другой статьи…
…Испорченный вкус и чудачества богатых коллекционеров привело к появлению так называемого модерна, а потом и авангарда. Знаменитости и основатели этого псевдо искусства: Шагал, Кандинский, Малевич, Пикассо, Джакометти и подражающие им искатели «новых форм и содержания» превратили живопись в собрание детских каракуль, которые сегодня выдаются за достижения и передовое слово в живописи, собрание которых переполняет галереи и выставки во всем мире.
А у тех кто восхищается этой нарочито нелепой мазней и увечными скульптурами, хватает наглости утверждать, что это и является проявлением человеческого духа в современном мире!
…Но возвратимся к нашему посещению выставки рисунков Рафаэля…

Первое впечатление от рисунков Рафаэля – неподражаемое чувство формы и твердость руки художника. И это проявилось в нем с малых лет.
Но помимо дарования, был ещё колоссальный труд. За свои тридцать семь лет, Рафаэль создал тысячи рисунков и сотни картин, десятки портретов, включая огромные полотна-фрески на стенах папских зданий и частных владений.
Именно этого не хватает сегодняшним «мазилам», которые отсутствие таланта и трудолюбия скрывают за туманными и многозначительными объяснениями своей мазни!
Я уже не один раз писал о деградации современного искусства и основные причины возникновения этого «профессионального» дилетантства, заключены в желании богачей-заказчиков, иметь что-то особенное, пусть и уродливое, отличающее их коллекции, от других.
Именно уродливостью изображенных на холстах и хвастают нынешние нувориши. А именно они являются покровителями и заказчиками у таких, с позволения сказать, художников! А проныры – художники, наживаются на этом, в своем кругу посмеиваясь над дилетантами, обманутыми многозначительными пояснениями содержания их мазни!
…К сожалению, мы попали на выставку только к вечеру и у нас был только час, чтобы бегло просмотреть более сотни рисунков, выставленных в небольшом помещении. Некоторые рисунки, со временем утратили четкость и ясность изображения и потому приходилось вглядываться, напрягая зрение. Свет в галерее тоже был не очень хорош и это портило впечатление от замечательных работ художника.
И все-таки, это собрание произвело на нас неизгладимое впечатление и выйдя из музей мы ещё долго стояли под колоннадой у входа (начался мелкий противный дождик) и взволнованно обсуждали увиденное!
Потом, пошли под дождём на автостанцию и поехали назад, в Лондон…
На хайвэе было тесно и мокро.
Вода из под колес впереди идущих машин обрушивалась на переднее стекло нашего, стремительно летящего вперёд автобуса и мешала видеть красивые окрестности: поля светло - коричневой пшеницы кое-где уже убранной, зеленые луговины среди леса, пологие холмы на горизонте...
В Лондон приехали, когда дождь уже закончился, оставив лужи на улицах и тротуарах.
Темное небо, слякоть под ногами, не смогли испортить нам возвышенное настроение после встречи с гением живописи, Рафаэлем Санти…
И после вечернего чая, переполненный впечатлениями, я сел писать эти заметки, восстанавливая в памяти все увиденное в Оксфорде…


Июль 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков

Хокусай в Британском музее.

Вместо эпиграфа:

«…Искусство дает крылья и уносит далеко-далеко! Кому надоела грязь, мелкие грошовые интересы, кто возмущен, оскорблен и негодует, тот может найти покой и удовлетворение только в прекрасном…»
Антон Чехов

…Британский музей велик, красив и неповторим. Помню, как первый раз после реконструкции пришел в этот музей и был восхищен внутренним двором под стеклянной крышей, поражающий размерами закрытого пространства.
Но я ещё помню, как лет пятнадцать назад заходил свободно в читальный зал Британского музея, в библиотеку и смотрел редкие книги прямо на полках. Тогда и посетителей в музее было в несколько раз меньше, а в библиотеку, где работали Карл Маркс и бывал Ленин, приходили совсем немногие.
Сегодня, Британская библиотека перенесена в другое здание, а в Британский музей идут толпами и даже в большом «дворике», не протолкнуться…
И я подумал, что многократное увеличение количества любителей живописи, приходящих сюда на выставки, как и несметные толпы туристов, показывают возросший материальный и интеллектуальный уровень не только в Англии, но и во всем мире!
Но я отвлёкся…
…Так было и на выставке Хокусая, знаменитого японского художника и гравера. Посетители стояли очередью и медленно передвигались от картины к картине, читая «сопроводиловку» и разглядывая эстампы долго и пристально. Это многолюдье мешало сосредоточиться.
Мне невольно вспомнился музей в Вашингтоне, где мы смотрели выставку Утамаро, тоже японца, жившего раньше Хокусая, и впервые протоптавшего дорожку для японского искусства в Европу…
Утомаро иногда писал откровенно эротические картинки, и на той выставке запомнилась реплика американки - матери, относящаяся к дочери, которая внимательно разглядывала именно эти картинки: - Не смотри это! Это тебе ещё нельзя смотреть…
Вот небольшая справка об этом художнике из Википедии:

…Среди предполагаемых мест рождения художника фигурируют Эдо (ныне Токио), Киото и Осака.
Утамаро. Цветы в Эдо, ок. 1800
Его имя при рождении — Нобуёси, а Утамаро — псевдоним, который художник стал использовать с 1781 г.
После смерти отца, Утамаро переехал из провинции Мусаси в Эдо. Здесь он поступил в студию Торияма Сэкиэн — художника школы Кано — и оставался там в течение семи лет.
В 1775 г. происходит его знакомство с издателем Цутая Дзюдзабуро, оказавшим огромное влияние на его творчество. Многие его прекрасные альбомы, иллюстрированные книги, серии станковых гравюр появились в результате длительного сотрудничества с Цутая. Из современников наибольшее влияние на Утамаро оказал Тории Киёнага.
Утамаро обращался к сюжетам из жизни ремесленников, создавал пейзажи, изображения фауны и флоры (альбомы гравюр «Книга о насекомых», 1788, и др.), однако прославился произведениями, посвященными гейшам квартала Ёсивара (альбом гравюр «Ежегодник зелёных домов Ёсивара», 1804). Виртуозно обыгрывал декоративный эффект белой поверхности бумаги. Часто использовал бесконтурную технику письма, киноварь и слюдяную краску в печати, в ряде случаев использовал в женских портретах погрудные композиции (впервые в японской ксилографии).
Утамаро достигал особой тонкости в передаче душевных состояний.
В 1804 г. за изображение героя японской истории Тоётоми Хидэёси «в неподобающем виде» Утамаро попадает в тюрьму. Арест и пребывание в тюрьме нанесли ему тяжелую психологическую травму. Он не смог оправиться от перенесенных потрясений, и поздний период его творчества окрашен в трагические тона. Вскоре после освобождения из-под стражи Утамаро скончался.
Изысканно-поэтическое творчество Утамаро сыграло важную роль в пробуждении у европейцев конца 19 в. интереса к японской гравюре…»

…Разница между Утомаро и Хокусаи в том, что первый был художником-гравером и традиционалистом и расцвет его творчества, случился раньше чем Хокусай стал известен и знаменит. А второй был наследником традиций, тоже художником-гравером и из под его кисти выходили заготовки для эстампов, с какими-то новыми стилевыми особенностями.
Работы Хокусая стали необычайно популярны, распространялись многочисленными копиями по всей Японии и через перекупщиков попадали в Европу.
Теперь небольшая справка о Хокусае из Википедии:

«…Кацусика Хокусай 31 октября 1760, Эдо — 10 мая 1849, там же) — широко известный японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр периода Эдо. Работал под множеством псевдонимов. Является одним из самых известных на Западе японских гравёров, мастер завершающего периода японской ксилографии.
Хокусай использовал не менее тридцати псевдонимов на протяжении своей жизни. Несмотря на то, что использование псевдонимов было обычной практикой у японских художников того времени, по числу псевдонимов он существенно превосходит других известных авторов. Псевдонимы Хокусая нередко используются для периодизации этапов его творчества…»

…Так получилось, что за неделю до Выставки в Лондоне мы посетили выставку рисунков Рафаэля Санти, в Оксфорде.
И войдя на выставку Хокусаи, посмотрев несколько гравюр и картин на шелке я подумал, что Хокусай был своеобразным японским «рафаэлем», по мастерству рисунка, по таланту и работоспособности мало в чем уступая этому гению итальянского Ренессанса.
Конечно разница между европейским и японским искусством, в том числе и в живописи, разительная. Однако, мировая культура и искусство часто совершенно неожиданным образом соприкасаются, ещё до знакомства друг с другом!
Кажется, что на работы Хокусай в поздние периоды, повлияли работы европейских художников. Свет сбоку, тени – это уже привнесённые, в японскую живопись, новинки освоенные Хокусаем.
Но в свою очередь, работы японских художников попадая в Европу, воздействовали на зарождающиеся противостоящие неоклассицизму новые приёмы и новые подходы в живописи импрессионистов, пост импрессионистов, а потом и разного рода авангардистов…
Отсюда появилась и новая живопись, на которую повлияла не только мода на все японское, но и прежде всего работы японских мастеров, в том числе и Хокусая. Ван Гог говорил, что работы этого японца повлияли на его стиль и мировоззрения. Ренуар упоминал о влиянии японских художников на его творчество…
Более того, во Франции той поры, появился даже термин обозначающий моду на все японское - в переводе на русский это примерно так звучит – «японизм»…
Особенно на этой выставке хочется отметить эстампы изображающие символ и святыню Японии, вулкан Фудзияма, или как ласково называют её японцы – Фудзи.
Эта гора, встающая симметричным вогнутым конусом над морем и над окрестностями, изображена Хокусаем во многих видах и в о все сезона года.
Присутствует она и в знаменитой картине Хокусая «Большая волна в Канагава», где в промежутки между громадными волнами виден светлый конус Фудзи!
Изображал художник и животных, часто птиц, цветы, в том числе ирисы, этот мотив позже подхватили импрессионисты.
Особенно интересны изображения орла, сокола и тигра, в которых прочитывается все особенности японской живописи, где художники пытаются показать обобщенный тип, исключающий зеркальную трактовку того или иного объекта, будь то люди или животные.
Это касается и цветов, в которых японцы видели символ красоты и старались очистить эту красоту от сиюминутных состояний и обобщить её в некий безвременный образ!
Это просматривается и в искусстве древних буддистских садов, в том числе садов камня, которые для европейцев, особенно первое время, казались чудачеством и не были поняты и оценены. На прямоугольной площадке рядом с террасой «расчесанный» граблями гравий, изображающих волны океана, и где-то посередине, несколько больших каменей разной формы, торчащих из этих волн – символы островов, на которых и расположена Япония.
Именно сады камней были чистейшими религиозно-философскими символами, которые будили воображение и помогали мыслить символами, что является особенностями буддизма и азиатского мышления, вообще.
И потому, оценить культурные особенности японского искусства, для большинства прагматичных и рациональных европейцев, без этого обращения к символам реальности, и красоты живущей в ней, просто невозможно…
Философия буддизма воздействовала на все искусства не только в Китае, но и в Японии, а в силу долгой самоизоляции, это искусство стало во многом прямой иллюстрацией этой философии…
Люди у Хокусая, вполне живые с узнаваемыми лицами и вполне жизненными ситуациями, в отличии от большинства работ художников той поры.
Надо отметить, что стилизация и символизм в искусстве Японии пришли из буддизма, а на особенности японского искусства повлияла культура и искусство Китая!
Обаяние работ Утамаро и Хокусая, с каждым годом, с каждым новым поколением, увеличивается и потому, эта небольшая выставка в Британском музее, пользуется таким успехом и популярна среди английских интеллектуалов.
Вот и я приобщился к этой моде и спешу сообщить об этом своим читателям!

Август 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков.

Выставка Ильи Кабакова в Тейт Модерн.

…Пошли на выставку с утра пораньше и по дороге любовались старыми церквями, а потом и собором «Сент Полс» то есть – собором «Святого Павла».
Вокруг за последние десять лет настроили современных здания, в нижних этажах которых открыли кафе, рестораны, магазины и магазинчики. На площади, сделанной прямо перед собором, стоят столы для тенниса, шезлонги и люди сидят в них отдыхая.
Туристов ещё совсем немного, и без суеты и толкотни можно рассмотреть в подробностях величественный собор и недавно сделанную площадь перед боковым фасадом, напоминающие площади в Риме.
В собор, на досмотр пока совсем небольшая очередь из желающих побывать внутри. Пока все не так многолюдно и суетливо. Я не бывал здесь уже год с лишним и поэтому с восхищением смотрю на все новыми глазами.
Прошли мимо монументального лицевого фасада собора, а потом по пологой улице с лестницами вниз к Темзе.
Перейдя дорогу, вышли к пешеходному мосту Миллениум Бридж, с которого любовались рекой с необычно низким отливом. С обеих сторон, река далеко отошла от высоких набережных и сузилась метров на пятьдесят - с левого берега поменьше, а с правого, где высится кирпичное здание бывшей ТЭЦ, а ныне «Тейт Модерн», отлив обнажил берег на добрые тридцать-сорок метров. Внизу, на берегу видны были камни бывшей набережной, какие –то деревянные ограждения, и поэтому можно определить, что раньше река была заметно уже.
По реке плывут навстречу друг другу прогулочные катамараны, на которых ещё не так много народу.
Из бывшей ТЭЦ, английские архитекторы сделали замечательно красивый, с огромным холлом, музей. Вот там, на втором этаже выставочных павильонов и разместилась выставка Ильи Кабакова и Эмилии Кабаковой.
Внизу, под основным этажом, где разместились большие магазины предметов искусства, установили множество качелей и мы с женой, тоже поучаствовали в общем веселье. С энтузиазмом молодости некоторое время качались, стараясь разогнаться и взлетать как можно выше…
Потом поднялись на второй этаж и вошли на выставку - я уже заранее был настроен скептически – мне кажется, что современное искусство деградирует и становится только предметом торга и прибыли.
До этого в журналах я видел какие-то неинтересные инсталляции Кабакова и думал, что это очередной пример спекуляции на любопытстве обывателя.
Действительно, в начале творческого пути, Илья Кабаков был конъюнктурщиком и стебался над «примитивной» жизнью в Советском Союзе.
Но потом, я посмотрел некоторые новые работы-инсталляции и подумал, что с возрастом, попытки угодить западному обывателю ушли в прошлое и Илья, стал делать картины и макеты, с замысловатым и часто скрытым сакральным смыслом.
Особенно меня поразили его поздние работы, где он изображает в технике коллажа на больших полотнах концептуальное видение не только жизни советского обывателя, но и грустно шутит над давно ушедшей, канувшей в лету обстановкой и главное атмосферой жизни в Союзе, когда всё обманчиво обещало действительно светлое будущее.
И я помню эту атмосферу движения, ожидания чего-то чудесного!
Но, как часто такие ожидания «уходят в свисток», то есть превращаются в ложь, постепенно и неостановимо.
Так и в Союзе, энтузиазм строителей коммунизма, со временем сменился обывательским пофигизмом и начался застой. И чем хуже становились дела в стране, тем больше старалась монументальная пропаганда, уверить нас, что «народ и партия – едины»!
В итоге, мы получили грустное разочарование, закончившееся катастрофой и развалом Союза. А сегодня, при взгляде на приметы того прошлого, становится грустно, потому что это были годы нашей молодости и мечтаний!
Самое замечательное, что в последних работах Кабаковых появились оптимистические, религиозные мотивы. Меня поразила инсталляция, внешне похожая на Башню Татлина на вершине которой, маленький и одинокий человек тянет руки навстречу летящего к нему ангела…
В идее этой инсталляции впечатляет грустный оптимизм, ожидания будущего и вместе, понимание, что такое благостное будущее может никогда не наступить.
Сильное впечатление оставляет композиция «Воспоминания моей матери» размещённая в узком коридорчике, изгибающемся под прямыми углами. Это некое символическое подобие коммунальной тесноты и нехватки жилья для населения страны, продолжавшееся все время существования Союза. «Квартирный вопрос» тогда стоял ребром и коммунальное житье было вынужденным.
На стенах в этом коридорчике помещены старые фотографии городов и местностей, в которых жили и бывали члены семьи Кабакова. Это и Бердянск, и Крым, и Москва…
А под этими фото помещены отпечатанные на машинке на листках плохой бумаги текст воспоминания, в которых документально записана история жизни матери художника и его самого.
От всех этих фото и текста исходит грустное очарование прошлой жизни в Советском Союзе, свидетелем которой был и я. Именно искренностью и юмором подкупают эти фото и сам текст. А в конце длинного узкого коридора, слышен мужской голос, напевающий песенки нашей молодости вполне непрофессионально, что и подчеркивает реализм инсталляции.
Только потом, жена подсказала мне, что у Юрия Олеши в его роман «Зависть», повествование начинается с фразы, «…он поёт по утрам в клозете». А тут, прямая отсылка к герою Олеши с его пением в туалетной комнатке, из-за закрытой двери которой, слышны эти песенки…
Интересна большая композиция «Поезд в Будущее» в следующем зале, где изображена станция на железной дороге, символизирующая движение, а бегущие титры говорят: «Не каждый сможет попасть в будущее.»
А смысл инсталляции, как кажется – не все, сегодня популярные и великие, смогут пережить свою смерть и остаться известными в будущем…
…Выставка сделана с выдумкой и инсталляции смотрятся естественно и гармонично.
Покидая её, невольно начинаешь смотреть на окружающий мир глазами художника-концептуалиста Кабакова и реальная жизнь города, его футуристические панорамы, представляется тебе одушевленной инсталляцией – произведением художника.

Вышли на балкон и сверху, за рекой, увидели потрясающий вид большого и местами страшного города – мегаполиса, с нелепыми многоэтажными башнями справа в районе Сити и чудного собора Святого Павла посередине, на переднем плане…
Красота лондонской поздней осени с желтым листопадом, с тонкими стволами березок в сквере перед Тэйтом, большие желтые павшие листья ворохами рассыпанные ветром по улицам и скверам, ухоженность и очарование старинных зданий по сторонам улицы, только подчеркивали ностальгию утраченной молодости мира, увиденной мною на этой выставке.
…Домой возвращались не торопясь, купили вкусного хлеба в «Маркс энд Спенсер» и придя к себе вкусно пообедали, обсуждая удивительную выставку русского художника -концептуалиста Ильи Кабакова, давно уже живущего в Нью Йорке.
Я предположил, что может быть, его последние работы отражают тоску по ушедшей в прошлое, часто смешной реальности.
Мне показалось, что этим и объясняется грустная романтическая ирония и образы человека стремящегося в божественное небо, человека живущего вне родины и ностальгирующего по ней, по не реализовавшейся молодости мира!

Ноябрь 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков

Деградация современного искусства. Записки с выставки в Тейт-галлери.

Цель творчества - самоотдача,
А не шумиха, не успех.
Позорно, ничего не знача,
Быть притчей на устах у всех. (Пастернак)


…Мне кажется, что современное разложение искусства, его медленная деградация, связана с возможностью зарабатывать деньги не учась и не работая!
В определённом смысле, кризис системы прибылей разрушает собственно человеческие отношения, часто превращая их в отношения раба и господина, или робота и его владельца, что не может не сказаться на искусстве и культуре вообще!
Появилась тьма «художников», которые за счёт болтовни, обосновывающей псевдоискусство, зарабатывают деньги на ловкости словесного объяснения-обмана и фальсификации искусства, будь то современная музыка, живопись, театр или литература!
Более того. Появилось множество продажных критиков, которые, используя абстрактные понятия, занимаются софистикой и доказывают ошеломлённому потребителю искусства, что белое – это чёрное и наоборот!
Ещё двести - триста лет назад, что в музыке, что в живописи, что в литературе существовали устоявшиеся и проверенные тысячелетиями, реально существующие критерии мастерства и профессионализма: такие как цвет и сочетание красок, а также «похожесть», в широком смысле этого слова – в живописи; или умение выстраивать сюжет и внятно и красиво, притягательно излагать свои мысли и описания характеров в литературе; или в музыке с помощью сочетания звуков вызывать грустные или весёлые настроения.
Сегодня, для людей, которые называют себя «элитой» и обладают определённым количеством богатств, победа информационных технологий позволяет «реализовать себя за счёт постоянного навязывания своих вкусов в форме моды. А мода – это многократно повторённая реклама, как вещей, так и предметов искусств и даже стилей жизни.
Вспомнился афоризм Стендаля:
«Цель личной выгоды у художника убивает всякое произведение искусства…»
В конечном счете, деньги стали той основой, на которой строится всё «новое искусство». И эта основа позволяет мошенникам от искусства, часто с миной простодушного энтузиаста, дурачить, не приготовленную к таким пошлым приёмам общественность!
…На днях мы побывали в лондонском Тейт-модерн и посмотрели выставку «художницы» Марлен Дюма, которая считается сегодня одной из самых современных «живописцев».
То, что я там увидел, повергло меня в «страх и трепет». Это была большая афера, которая вместо работы с холстами и красками, вместо умения рисовать и представлять красочную картину мира, показала умение многозначительно объяснять тривиальные вещи, спекулируя на необразованности большинства зрителей-читателей.
Успех этой суггестивной медитации заключён в нежелании большинства зрителей признаваться в своей неспособности сказать нет очевидным спекуляциям на тему современного искусства. Глядя на эту мазню по фотографическим образам, так и хочется признаться в полной несостоятельности этой дамы в том, что раньше называли и считали искусством.
Невольно подумалось, что объяснить этот феномен и его популярность в среде мировой «образованщины», не составляет труда. Просто в двадцатом веке появилось много богатых дилетантов, которые хитро стали называть себя ценителями современного искусства. Имея деньги, такие невежды стали финансово поощрять разного рода кривляния и фиглярство, что послужило и служит основной базой и содержанием современного «искусства».
На самом деле ничего общего с реальным мастерством в искусстве такие эксперименты неумех и дилетантов не имеют ничего общего. Зажигательным примером такого обмана и самообмана является Марлен Дюма!
Эта, с позволения сказать «художница», спекулируя на популярных темах секса, смерти и прочих драматических моментах человеческого бытия, привлекла внимание культуртрегеров, в том числе и своим происхождением, что в определённых «образованческих» кругах на Западе имеет значение «стигмат». Если вы женщина, да ещё из Африки, а живёте и «творите» в Европе или в Америке, то любое ваше высказывание о смысле и философии жизни на уровне преподавателя колледжа, в провинциальном городке, будет подхвачено как некое откровение «почвы». В этом любовании нормальным человеческим тщеславием есть, в данном случае, скрытный расизм. Ибо, «белый господин», с трудом верит, что чёрный уроженец Африки может изъясняться на философском жаргоне.
На этом часто сегодня делаются и имена и деньги в развращённой попытками самоутверждения Европе, но главное в Америке
Благодаря сегодняшнему совместному с дельцами от современного искусства мошенничеству эта, в общем-то обычная, но чрезвычайно ловкая и многозначительная «журналистка», презирающая рисунок и обучение живописи, сумела объяснить свою антиэстетическую мазню, вполне модными принципами, на которых и построено современное подделывание под искусство.
Очарованные «свежестью» взгляда на возможность, не учась и не работая, зарабатывать известность и деньги, Марлен сделал быструю карьеру и прославилась в среде, состоящей из ценителей долго и невнятно говорить ни о чём! В этом главный секрет её успеха и именно поэтому ей устроили выставку в цитадели современного искусства – в Тэйт-галери.
Глядя на окружающих меня зрителей, видя их сосредоточенные лица и наморщенные лбы, мне подумалось, что большинство из них ничего не знают, ни о классической греческой скульптуре, ни о художниках Возрождения. Рассматривая «живописные пасквили», большого ума и просто работы мысли совсем не требуется. Более того, на таких выставках и знания и самостоятельное мышление противопоказаны…
В этом не вина а беда большинства посетителей и потребителей современного «искусства». Невежество, в сочетании с амбициями и презрением к ремесленническому мастерству и простоте, становятся базовой основой такого рода художников и искусствоведов. Это напоминало бы элементарное жульничество и шарлатанство, если бы не было поддержано «бессмысленной» богатой элитой нашего «мультикультурного общества»!
Невольно вспоминается сказка о голом короле, которому ловкие мошенники сшили костюм из воздуха, а шокированные бесстыдством мошенников и наивностью короля придворные, во весь голос уверяли, что «одежды» как нигде и никогда идут их господину.
И только мальчик, ещё не наученный взрослыми врать, «по обстоятельствам», произнёс: "А король –то голый!" Чем и убил толпу льстецов и самого заказчика этих «нарядов»!
Нечто подобное испытал и я, глядя на мазню Марлен, а потом в магазине при галерее рассматривая многостраничные тяжёлые фолианты с её нелепым творчеством.
Вспомнились едкие филиппики Максима Кантора, настоящего художника и философа, направленные против российского, совсем уж беспомощного и подражательного «второго авангарда» его романе «Учебник рисования».
Уходя из галереи, любуясь открывающимися видами чудесной многолюдной набережной центра Лондона, я бубнил себе под нос, что в качестве глупого хобби, в виде игры в «искусство», как факт подчёркивающий деградацию современного искусства – работы Марлен Дюма, могут иметь место. Но и только! Естественно меня никто не слушал – даже моя просвещённая жена-философ. И мои протесты умерли не найдя для себя сочувствующих слушателей!

Вместо послесловия:

«Ни искусство, ни мудрость не могут быть достигнуты, если им не учиться…»
• Демокрит Абдерский


Май 2015 года. Лондон. Владимир Кабаков


О лицемерии «охранителей».

"Жилая среда - один из важнейших факторов, определяющих уровень жизни человека".

...Давным – давно я писал сценарий для телеочерка о главном архитекторе города Иркутска.
Первым делом пошел к нему и поговорил об архитектуре. Павлов, был уже несколько лет главным архитектором и меня поразил его пессимизм по поводу застройки города. Основную его мысль он сам и сформулировал. «Архитектуру в Союзе убили «хрущёвки». Люди отвыкли не только строить, но и жить в нормальных, удобных и красивых домах…»
После интервью с Павловым, я пошел в новый дом, единственный нестандартный, где квартиры располагались в двух уровнях. Поговорил с одной из женщин живущих в нем. На вопрос нравится ли новая квартира, она пожаловалась, что на днях, пьяный зять спускаясь по лестнице со второго этажа квартиры упал и сломал руку.
А я слушая её жалобы, понял, что пока люди не привыкнуть жить в домах красивых и разных, они будут жаловаться на то, что новые квартиры не похожи на квартиры в хрущевках. Оказывается, к плохому, русские люди привыкают быстрее, чем к хорошему, но непривычному!
Когда я сдавал материал редактору, то мы спорили о стратегии застройки города. Тогда в самом центре Иркутск, стояли деревянные одноэтажные дома с печками и помойками-туалетами на улице. Я говорил о необходимости снести эти трущобы и на их месте построить хотя бы те же хрущевки.
Ведь в этих трущобах жили люди, граждане Союза. Они тоже имеют право приобщиться к достижениям цивилизации, как и все «редакторы и охранители» живущие за чужой счёт!
Она возражала мне, что это часть истории города, что тут останавливался Чехов. Я напомнил ей афоризм известного французского архитектора Корбюзье, который говорил «Архитектура или революция» - имея ввиду создание в городах и селах современной среды обитания человека.
После препирательств, я её спросил, где она сама живет? И выяснилось, что её семья живет в сталинских домах, где высота потолков до трех метров и кухни больше зала в хрущёвках.
Уже тогда я задумался о лицемерии, ставшем родовой чертой советской образованщины, которая называла себя интеллигенцией. Уже тогда, её отличало желание выделится и завести для себя, точнее для «своих» некую отличительную особенность, отделяющую их от неразвитых «рабочих и крестьян».
Одной из таких характерных черт стало «охранительство»! Они охраняли старые дома, старые рощи и наконец, уже откровенно перешли на воспевание старых порядков и нравов аристократии времён Пушкина или даже Екатерины Второй.
Уже тогда, они были не прочь, перефразируя известные строки из стихотворения Зинаиды Гиппиус: «… снова загнать палкой в хлев, народ не уважающий их святынь»!
И в конце концов, они это сделали, воспользовавшись неразберихой в головах обывателей и предательством парт номенклатуры в девяностые годы прошлого столетия. Именно они совершили ползучую контрреволюцию, а сегодня надеются, что народ разделённый на богатых и бедных снова вернётся к порядкам столетней давности!
Одной из особенностей новой "аристократии" и их прислужников, является охранительство – иначе говоря, они за восстановление старых порядков и потому яростно противятся всему новому, как в социальных отношениях, так и в материальной среде!
И нынешняя образованщина, неспособна объяснить подсознательное тяготение к старине, ввиду отсутствия критического начала по отношению к себе и "своим".
Однажды, поверив «в России, которую мы потеряли», они будут до конца жизни защищать эту идеологическую фальшивку. Был такой фильм в те страшные девяностые, который утверждал, что монархия в стране была благом не только для богачей и аристократов, но и для народа!
И это лицемерие, со временем принимает образ новой идеологии правящего класса, которую сегодня разрабатывают прислужники-образованцы, по прежнему называя себя интеллигенцией или "креативным классом»...
Проблема сохранения старины, связана ещё с тем, что крестьянская Россия со временем стала страной «деревянной культуры», в отличии от «каменной культуры" издавна существующей в Западной Европе.
В России, каменная культура не прижилась, потому что после войн и раззорений можно было, используя дерево, которого в России всегда было в избытке, быстро, хотя и ненадолго восстанавливать разрушенное в бесчисленных войнах и смутах.
Поэтому, в русских городах нет понятия «старый город» - привычная деталь для европейских городов, где он существует и виде старинных замков, соборов и поместий.
Каменная культура не прижились по разным, часто историко-драматическим причинам, исключая некоторые северные города, долгое время находившиеся под влиянием соседей из Скандинавии. Таков Новгород, ну и конечно Петербург…
Но как такового, «старого города» в большинстве поселений не существовало. Дерево горело, гнило да и сама история с войнами разграблениями и пожарами, противилась преемственности каменной жилой среды.
Этим наверное можно объяснить и короткую историческую память – ведь трудно писать историю, когда жилая среда в связи с очередным разрушением, живёт не более очередных ста - двухсот лет.
Однако, из этой ситуации есть простой выход - для восстановления или создания облика «старого города», надо всего лишь восстановить, где-то на отдельном участке города и обязательно в центре, реставрированную, пусть и деревянную «старину», где люди могли бы почувствовать аромат той эпохи.
А жалкие лачуги, в которых и сегодня живут люди, в совершенно неприемлемых для современного человека условиях, снести и на их месте поставить красивые и удобные жилые дома, с интересной и разной архитектурой, с квартирами, обеспеченными всеми удобствами городского комфорта. И конечно не забыть благоустроить дворы, разбить парки и скверы...
Но и тогда, в восьмидесятые годы прошлого столетия, во времена написания мною сценария о работе главного архитектора города, такие мысли были восприняты образованщиной как кощунственные.
Сегодня в Иркутске, в красивом месте, на холме над рекой, восстановили целый район «старого новодела», который вполне отвечает не только восстановлению облика города девятнадцатого века, но и становится культурным центром и местом отдыха и гуляний горожан…
Недавно, в одном из выступлений, Путин говорил, что будет бороться с безответственностью чиновников и «охранителей» в том числе!
И это показывает, что власть начала понимать значение жизни конкретного человека, часто до сих пор живущего в трущобах, которые, рьяные охранители хотят сохранить «для потомства».
На первый взгляд кажется, что «охранителями» должны быть люди пожилые, желающие сохранить обстановку и среду их детства. Однако в России, парадоксальным образом, главными охранителями являются молодые образованцы, нашедшие в этой деятельности возможность выделиться, отличаясь своей особенной "любовью к прошлому" от среды необразованных обывателей - «быдла», как они называют простой народ.
Психологически, желание образованцев стать новой аристократией, вполне объяснимо. Но трудно заставить простых людей - народ согласиться с такой реставрацией прошлого, с созданием сословного государства с осуществлением идеи нового разделения страны России на богачей и бедняков, на господ и рабов…

…На сайте «Свободная Пресса», прочитал статью писателя и депутата Думы Сергея Шаргунова, который настаивает, что он из нынешних «левых».
Но почитайте его статью о Боровске, где по его словам «разрушают древности» построенные в двадцатом веке и вы поймете, что его «левизна» – всего лишь конъюнктурное хотение представить себя защитником бедных и угнетённых.
Лицемерие таких «леваков», удивляет в первую очередь тем, что взрослые люди совершенно лишены саморефлексии и не могут на себя и свой характер посмотреть со стороны.
Вот цитаты из этой статьи, которая пафосно называется «Разбой в Боровске» и напечатана на сайте «Свободная Пресса», главным редактором которой и является Сергей Шаргунов:

«В древнем русском городе Боровске Калужской области сейчас один за другим сносят исторические дома и даже выявленные объекты культурного наследия.
Какие же скоты!
Иначе не скажешь…»

…Поражает безапелляционность и оскорбительный тон этой статьи, что в принципе и свойственно молодым «левакам».
И гнев автора можно было бы понять, если бы дома, которые он защищает с пылом неофита, были девятого, десятого веков постройки. Но ведь снова мелькает девятнадцатый и даже двадцатый век. Где он увидел историчность этих бараков – трудно понять трезвому человеку:

«Всего в палаческом списке на снос около двадцати домов — почти вся историческая застройка города. Пока не снесены, но уже приговорены к сносу многие памятники истории и культуры. Деревянный жилой дом начала XX века близ Покровской и Борисоглебской церквей. Деревянный жилой дом на каменном полуподвале конца XIX века. Дом Голофтеевых «кирпичного стиля» конца XIX века. Дома ансамбля текстильной фабрики Ёжиковых. Все эти дома обладают признаками объектов культурного наследия…»

…Иногда думаю, - ну сколько же могут молодые образованцы из депутатской среды издеваться над действительностью? Должны же они понимать, что речь, в случае слома «памятников» старины двадцатого века, в которых «были фабрики Ёжиковых» идет в том числе и о судьбе тысяч боровчан, которые живут в этих «памятниках» и в подавляющем большинстве ждут не дождутся, когда наконец им дадут квартиры в нормальных, современных домах, хотя бы и в копиях хрущевок!

«Сделаю всё для спасения того, что ещё можно спасти. Уже направил несколько гневных запросов — в том числе губернатору Калужской области Анатолию Артамонову и в областную прокуратуру.
Надо остановить скотство.
Казалось бы, пора протрезветь. Давно пора отойти от дикой практики разрушения старины.
Ведь что-то же в обществе как будто меняется. Надеешься на просветление сознания, на смягчение нравов, на гуманизацию общества, на новое поколение…»

…Больше всего, меня раздражает в таких охранителях их постоянная тага к пафосным выражениям, которыми они оправдывают свое лицемерие, типа «покушение на гуманизм», «память поколений» и подобные выражения!
А вот продолжение статьи, что называется ни к селу, ни к городу:

«…Или Минздрав рапортует: потребление алкоголя за 5 лет удалось снизить почти вдвое, а табака — почти на четверть. Кроме всяких рапортов, есть реальность, данная мне в наблюдениях: вижу, что новое поколение бухает и дымит гораздо меньше того времени, когда юнцом был я.
Но на какую обдолбанную голову можно принять решение — учинить погром в древнем русском городе?
Что толку от прыжков и приседаний, если убивают память и красоту?
Что толку от культуристов, коли культуру крушат без жалости?
Глядя на происходящее в Боровске — и запьёшь, и закуришь…
Это не просто нездоровье.
Имя происходящему с нашими памятниками старины — национальное самоубийство…»

…И этот яростный бред, пишет человек, желающий стать одним из светлых личностей нового поколения. Но именно такие «обдолбанные охранители» с либеральными взглядами, тормозят развитие страны, возможно, в силу своего образованчества, не понимающих, «не ведающих что творят»!
Подумалось – если таких лицемеров в этих поколениях будет хотя бы с десяток, то наверное лучше было бы, если осталось жить старое, привычное «негуманное поколение»!
Вместо послесловия, краткий афоризм Корбюзье:

«Или архитектура, или революция!»

Октябрь 2018 года. Лондон. Владимир Кабаков.

Остальные произведения автора можно прочитать на сайте «Русский Альбион» http://www.russianalbion.narod.ru/
или в литературно-историческом журнале "Что есть Истина?" http://russianalbion.narod.ru/linksIstina.html

Рене Магрит и его эволюция как художника.

…На днях были в Брюсселе и побывали в музее Магрита. Хочу рассказать о впечатлениях от просмотра этой экспозиции.
…Магрит родился на рубеже веков, в 1898 году. Это был период революционных преобразований, в том числе в искусстве. Одни интеллектуалы пошли прямо в революцию, а другие поехали в Париж, в столицу тогдашнего революционного искусства. Старый мир империй и монархий разваливался, а в искусстве в большом количестве тоже появились «революционеры», пропагандирующие новый взгляд на искусство, в том числе в искусстве изобразительном!
Таким образом, рождение Магрита, совпало с этой революционной эпохой, что и сделало из него вначале сюрреалиста, а потом художника ни на кого не похожего, может быть продолжателя линии Брейгеля и Босха в современном искусстве!
Тогда молодые художники собирались в группы и группки и в промежутках между гуляниями и выпивками изобретали новые направления в искусстве и не только в изобразительном. Таким образом создалось течение в искусстве – сюрреализм, вначале в литературе, а потом и в живописи. Тогда в Париже, интеллектуалы, представители разных видов искусств, дружили и общалис, обмениваясь новациями.
Именно сюрреализм сформировал Магрита как художника, а привычка ниспровергать авторитеты, привела его к необычному видению и изображению вещей, за которыми скрывались загадочные символы, часто объединяющие вещи несовместимые. Это было неосознанным желанием привлечь внимание к своим работам, заставить их задуматься над несоответствием изображаемого, обычному реализму жизни. В этом случае можно говорить о саморекламе в чистом виде - ведь долгое время он работал над торговой и театральной рекламой. К тому же, Магрит придумывал своим картинам сложные, глубокомысленные названия, которые тоже нужно было разгадывать как головоломки.
Этими необычными сочетаниями живописи и интеллектуальной сложности он и прославился на весь мир и этому же обязан художественным своеобразием, корни которого, многие критики пытаются разгадывать и по сию пору.
В качестве примера можно привести портрет мужчины, с курительной трубкой вместо усоа, или горный пейзаж, в котором, если всмотреться, можно различить огромную птицу, похожую то ли на павлина, то ли на птицу феникс…
…А начиналось всё с семейной драмы – когда будущему художнику исполнилось четырнадцать лет - его мать совершила самоубийство. Это событие отразилось на судьбе Рене и осталось в памяти на всю жизнь. Возможно именно абсурдность всего происходившего тогда, повлияли на мировоззрение юноши и предопределило его отношение к окружающему миру…
Первые работы художника носят подражательный характер и больше напоминают саркастические скетчи. Но время шло, мастерство художника и рисовальщика росло и благодаря каждодневному труду, его стиль постепенно совершенствовался и необычные композиции только добавляли интереса к его творчеству.
Магрит, в молодости ведя довольно разгульную и общительную жизнь, со временем всё больше погружался в стихию творчества и его взгляд на мир, сюжеты его работ тоже менялись, переходя в плоскость работы с цветом и светом.
Последние его работы, эксперименты с цветом и светом, совершенно восхитительны и совершенно неповторимы. Здесь, Магрит уже выступает как мастер овладевший всеми тонкостями мастерства и картины сумерек и ночи без людей, из серии «Империя света», навевают лёгкую грусть и раздумья о краткости жизни, о красоте и загадочности окружающего нас мира, о невозможности повернуть время вспять. А его поздние картины изображающие, горы скалы и каменные изваяния из кусков гранита, поражают умением передавать текстуру и о объёмы камня, создавая полную копию реальности, оформленную под многозначительный сюжет, напомнивший мне аскетизм художественных средств, передающих символизм японского дзен – искусства, выраженного в садах камня.
В каком-то смысле последние работы, становятся завершение длинного пути становления Магрита как оригинального художника. Правда без пояснения автора, понять смысл его картин трудно. Но это – одна из характерных черт сюрреализма, которому Магрит, в инеллектуальном смысле оставался верен до конца. Иначе говоря он уже не мыслил своей живописи без головоломных сюжетов. Однако важно, что в своих картинах, он все-таки оставался художником, а не маляром, каковыми становятся многие современные «мазилы»!
Что есть сюрреализм, Справка из Википедии:

«…Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения…Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе».
…Сам художник, позже называл свои работы теоремами, сравнивая их с математическими формулами, в которых просматривалась своеобразная логика. Однако в развитии этого направления, со временем, в итоге получились разного рода авангардистские течения, уже утратившие эту логику. Всё закончилось писсуаром и «писсуарностью» - некоторые критики признали, этот «взлёт творческой фантазии», вершиной изобразительного искусства двадцать первого века!
Выше я уже говорил, что на рубеже двадцатого века и после первой мировой войны, которая обнажила абсурд существования современного человека, многие интеллигенты ударились в интеллектуализм и чем больше погружались в страну любителей «игры в бисер», тем дальше отходили от реальности. С этими экспериментами, связаны увлечения психотропными веществами и кокаином, в надежде, через погружение в сумеречное состояние, обрести свободу сознания.
Итогом этого процесса стали разного рода интеллектуальные эксперименты, будь то живопись, поэзия или скульптура.
Однако Магрит не пошёл так далеко и эволюционировал постепенно в сторону «классической живописи», сохраняя вместе с тем особенности своего восприятия и выражения мира окружающего его. Хотя многие его работы заставляют ломать голову, а не удивлять эстетически наше зрение. И если бы не поясняющие названия под головоломными сюжетами картин, то содержание этих картин так и осталось бы без объяснения…
После нашумевших выставок в Америке, художник обрёл славу, которая была уже не нужна ему. С возрастом, мы начинаем понимать незначительность, а иногда и суетливое неудобство славы…
Умер Магрит на пике известности и его творчество вдохновило и вдохновляет многих начинающих художников на поиски своего творческого стиля в живописи и не только.
Можно говорить, что Магрит-художник, стоит у истоков современного искусства наряду с Шагалом, Кандинским, Малевичем, Пикассо, даже Сальвадором Дали. В определённом смысле и Энди Уорхолл был продолжателем Магрита.
Одним словом слава Магрита и его известность вполне заслуженны, в отличие от многих авангардистов нашего времени, раскрученных, но бесталанных конъюнктурщиков!
Магритт умер пятнадцатого августа 1967 года, в Брюсселе, оставив недописанным новый вариант своей картины «Империя света».

Август 2019 года. Лондон. Владимир Кабаков

Остальные произведения Владимира Кабакова можно прочитать на сайте «Русский Альбион»: http://www.russian-albion.com/ru/vladimir-kabakov/ или в литературно-историческом журнале "Что есть Истина?": http://istina.russian-albion.com/ru/jurnal





Рейтинг работы: 0
Количество рецензий: 0
Количество сообщений: 0
Количество просмотров: 20
© 17.10.2019 Владимир Кабаков
Свидетельство о публикации: izba-2019-2651861

Рубрика произведения: Разное -> Публицистика













1